Partout des formes et des figures, mais nulle part un corps ! À bien y regarder, l'histoire de l'art a en effet oblitéré la part corporelle, physique, "bassement" matérielle de la création - le corps de l'artiste, dans ses excès et ses besoins, ayant presque toujours été laissé dans l'ombre. Pourtant, les artistes de la première modernité n'ont cessé d'être les sismographes de leur corps. C'est pour restituer cet autre versant de l'histoire que l'ouvrage d'Andreas Beyer se dresse. Il réhabilite la corporalité de l'artiste et déploie la forme de vie incarnée des anciens maîtres en se concentrant sur la Renaissance, époque où l'individu déborde littéralement dans son oeuvre.

Exposition Musée Jacquemart-André, septembre 2022

L'oeuvre de Lessing a connu en France une fortune exceptionnellement précoce, et si elle a été marquée par un certain recul depuis la décennie 1970-1980, les toutes dernières années se signalent par un vif regain d'intérêt. Sans doute, les travaux d'érudition, les essais théologiques et philosophiques, très imbriqués dans les querelles de la seconde moitié du XVIIIe siècle, relèvent-ils d'une archéologie de l'histoire des idées - ils valent à yeux des auteurs comme témoignages mais leur contenu objectif a perdu une bonne part de son intérêt. Il n'en va pas de même de la réflexion critique ni du discours sur l'art. Lessing reconnaît la philologie déterminante et à travers elle, le discours sur l'oeuvre se fait discours sur la démarche rationalisante d'un savoir qui s'édifie dans et par la controverse. L'opposition et le conflit sont posés en condition préalable de l'exposé et c'est elle qui lie les contributions de cet ouvrage sur la poétique et l'esthétique. Lire la suite Fermer

L'effigie individuelle de l'homme a connu au cours des siècles des destinées fort diverses. Faisant fi des accusations de la théorie artistique, qui lui reprochait de n'être qu'une simple imitation de la nature, le portrait s'est imposé comme une tâche capitale de l'art, une tâche que tous les grands noms de la peinture "Van Eyck, Clouet, Dürer, Raphaël, Holbein, Titien, Hals, Rembrandt, Velázquez, Goya, Ingres, Manet et, plus près de nous, Van Gogh, Picasso ou Warhol" ont élevée à ses plus hauts sommets.
La sélection de chefs-d'oeuvre opérée ici, présentés de manière chronologique, rend compte de tous les styles d'oeuvres : portraits officiels et d'apparat, portraits intimistes, de groupe ou d'amis, autoportraits et portraits historiés. La succession et la confrontation de ces peintures visent également à aiguiser le regard, afin qu'il reconnaisse les conventions et les inventions perceptibles dans cette volonté de saisir la personnalité individuelle du modèle. Représenter un personnage n'est pas seulement en restituer la physionomie, c'est aussi le mettre en scène. La forme même du portrait apparaît comme l'expression éloquente d'une conscience de soi propre à chaque époque, comme un fil conducteur à travers l'histoire de l'art. Déchargé d'une partie de sa fonction par la photographie, le portrait devient alors distanciation par rapport à l'image fidèle, pour s'aventurer sur le terrain de la distorsion et de l'abstraction.

L'auteur décrit dans son texte l'histoire du portrait et de ses modèles dans un dialogue intense avec les oeuvres dont la lecture est étayée par des légendes commentées. Le lecteur parcourt ainsi un musée imaginaire de visages et de silhouettes, illustres ou anonymes, qui mettent en lumière réalités historiques et humaines.

De l'Antiquité à nos jours, plus de deux cents peintures reproduites en pleine page, et sous forme de détails fortement agrandis, illustrent l'un des genres les plus dynamiques de l'histoire de l'art.
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Les arts plastiques comme fondation, recours et visée de l'oeuvre de Goethe, c'est là toute la nouveauté de la perspective proposée par cet ouvrage fondamental. Au recueil d'articles approfondis rédigés par les meilleurs spécialistes (tome I), succède une analyse des écrits de Goethe sur les arts (tome II). Un lexique des artistes qui entrent dans la réflexion de l'auteur allemand, qu'il s'agisse d'artistes du passé ou de ses contemporains, permet d'envisager les figures qui ont joué un rôle dans la construction de sa pensée artistique et esthétique. Cet ouvrage combine la fonction du modèle encyclopédique fondé sur la recherche la plus actuelle et ouvert sur de nouveaux points de vue et celle du dictionnaire qui présente des savoirs acquis et des connaissances utiles.
Il donne enfin à Goethe toute la place qu'il mérite dans l'histoire de l'art et l'esthétique. Il nous livre des dossiers qui permettent de saisir à la fois ce que veut dire « art » et ce que les diverses pratiques artistiques donnent à comprendre de ce que sont nos facultés, notre humanité, et notre socialité. Lire la suite Fermer

Les procédés du montage activent des confrontations, des chocs mutuels, des conflits et des échos entre unités visuelles, en en faisant jaillir un sens nouveau. C'est ainsi que les espaces entre les images, loin de se limiter à un rôle inerte de séparation, deviennent les lieux d'une interposition capable d'activer la production visuelle du sens. Le procédé du collage est un exemple central de cette démarche. Cette technique spécifique n'est pourtant pas la seule à user de ce dispositif. Le concept de montage, tel qu'il a été développé dans la théorie du cinéma, constitue un modèle qui peut être étendu à d'autres domaines.
Cet ouvrage contribue à la découverte de ces champs d'application, chaque contributeur explorant par divers biais le caractère productif de l'assemblage d'éléments visuels hétérogènes. Lire la suite Fermer