Une histoire des images pour les enfants fait voyager ses lecteurs à travers l'histoire de l'art : depuis les peintures retrouvées sur les parois des grottes préhistoriques, jusqu'aux images que nous créons aujourd'hui grâce à nos ordinateurs et téléphones portables.
Inspirée du best-seller Une histoire des images, cette version destinée aux enfants est racontée par le biais de conversations entre l'artiste David Hockney et l'auteur Martin Gayford. Ils nous parlent d'art avec une simplicité et une clarté stimulantes. Les illustrations de Rose Blake accompagnent les reproductions d'oeuvres d'art pour une maquette dynamique et fourmillante de détails à observer.
Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.
À l'aube de ses quatre-vingts ans, David Hockney a recherché pour la première fois la tranquillité à la campagne, un lieu où observer le coucher du soleil et le changement des saisons, un endroit où tenir à distance la folie du monde. Ainsi, lorsque la Covid-19 et le confinement ont frappé, cela n'a pas changé grand-chose à la vie à La Grande Cour, la ferme normande plusieurs fois centenaire où Hockney avait installé son atelier un an auparavant.
On ne reporte pas le printemps est un manifeste qui célèbre la capacité de l'art à divertir et à inspirer. Il s'appuie sur une multitude de conversations et de correspondances inédites entre David Hockney et le critique d'art Martin Gayford, son ami et collaborateur de longue date. Leurs échanges sont illustrés par une sélection de peintures et de dessins inédits réalisés par l'artiste sur son iPad en Normandie, en lien avec des oeuvres de Van Gogh, Monet, Brueghel et d'autres encore.
Constamment poussé à aller de l'avant par son enthousiasme contagieux et son sens de l'émerveillement, à contre-courant depuis toujours, mais très populaire depuis soixante ans, Hockney ne se préoccupe pas de l'opinion des critiques. Totalement absorbé par son environnement et les thèmes qui le fascinent depuis des décennies: la lumière, la couleur, l'espace, la perception, l'eau, les arbres, il a beaucoup à nous apprendre, non seulement sur notre façon de voir... mais aussi sur notre façon de vivre.
Dans cet ouvrage remarquable, les idées, les anecdotes, les passions et l'humour de Hockney élaborent son point de vue sur les problématiques et les paradoxes de la représentation d'un monde en trois dimensions sur une surface plane.
Hockney suggère que « dessiner apprend à regarder [et que] plus on dessine, mieux on y voit. » Quels sont les liens qui unissent les images que nous fabriquons à la réalité qui nous entoure ? Comment l'évolution des technologies a-t-elle affecté la manière dont les artistes représentent le monde ? Et comment apprécier à sa juste valeur le plaisir simple de contempler des arbres, des visages ou des couchers de soleil ?
Nos deux interlocuteurs ponctuent leur conversation d'observations éclairantes sur nombre d'autres artistes comme Van Gogh ou Vermeer, le Caravage, Monet ou Picasso, et formulent des remarques lumineuses sur le contraste frappant entre les paysages de la Californie, où Hockney a passé tant d'années, et du Yorkshire, la région de son enfance où il vit à nouveau aujourd'hui. Quelques-uns des artistes qu'il a rencontrés en chemin - notamment Henri Cartier-Bresson et Billy Wilder - font des apparitions intéressantes au détour du dialogue.
Autoportrait unique et fascinant de l'un des artistes britanniques les plus célèbres et les plus influents de son temps, Conversations avec David Hockney est devenu un ouvrage de référence sur la nature de la création.
Pendant l'automne 1888, Paul Gauguin et Vincent van Gogh se sont retranchés dans une maison arlésienne aux murs jaunes pour y boire, discuter, se disputer, et bien sûr créer... De l'amitié à la guerre fratricide, retour sur un épisode aux accents de tragédie moderne.
Entre les mois d'octobre et de décembre 1888, deux des plus grands peintres de l'histoire ont partagé une petite maison jaune aux angles irréguliers dans la ville d'Arles. Pendant neuf semaines, Vincent Van Gogh et Paul Gauguin y ont peint, bu, visité les bordels et hanté les cafés, se sont étudiés, jalousés, disputés, et s'y sont affrontés dans un huis-clos créatif à nul autre pareil. Le célèbre critique d'art anglais, Martin Gayford, relate ici cette incroyable aventure ; la subtile, prodigieuse et toxique amitié entre deux géants qui ne pouvaient que se heurter dans un si petit espace, produisant des étincelles de génie et les ferments d'un drame connu. Le talent de Gayford est de dessiner pour nous, autour du motif tragique de cette oreille tranchée, une exploration intime ne se réduisant pas à une glissade vers la folie.
A sumptuous single-volume edition of Phaidon's acclaimed overview of one of the greatest painters of our time.
Larger-than-life British artist Lucian Freud enjoyed a career lasting over seven decades. He worked almost until the day he died, when he left a portrait of friend and studio assistant David Dawson unfinished. Now available for the first time in one elegantly combined edition, this acclaimed celebration of Freud's work from the 1930s to his death in 2011 includes hundreds of paintings, drawings, sketches, and etchings - even personal photographs and illustrated private letters. A comprehensive overview of his life and work in one luxurious volume, this book is a gorgeous addition to the shelves of art lovers everywhere.
La carrière de Lucian Freud, artiste britannique hors du commun, couvre plus de sept décennies.
Il travailla jusqu'à son dernier jour, laissant inachevé le portrait de son ami et assistant David Dawson. Véritable hommage aux travaux de Freud réalisés depuis les années 1930 jusqu'à son décès en 2011, ce somptueux coffret en deux volumes présente plusieurs centaines de tableaux, dessins, ébauches et eaux-fortes réalisés par l'artiste ainsi que des extraits de sa correspondance. Cette inestimable et magnifique édition fera le bonheur de tous les passionnés d'art.
David Hockney is possibly the worlds most popular living painter, but he is also something else: an incisive and original thinker on art. Here are the fruits of his lifelong meditations on the problems and paradoxes of representing a three-dimensional world on a flat surface. How does drawing make one see things clearer, and clearer, and clearer still, as Hockney suggests? What significance do different media from a Lascaux cave wall to an iPad have for the way we see? What is the relationship between the images we make and the reality around us? How have changes in technology affected the way artists depict the world?
The conversations are punctuated by wise and witty observations from both parties on numerous other artists Van Gogh or Vermeer, Caravaggio, Monet, Picasso and enlivened by shrewd insights into the contrasting social and physical landscapes of California, where Hockney lives, and Yorkshire, his birthplace. Some of the people he has encountered along the way from Henri Cartier-Bresson to Billy Wilder make entertaining appearances in the dialogue.
The Sunday Times bestseller: David Hockney reflects upon life and art as he experiences lockdown in rural Normandy On turning eighty, David Hockney sought out rustic tranquillity for the first time: a place to watch the sunset and the change of the seasons; a place to keep the madness of the world at bay. So when Covid-19 and lockdown struck, it made little difference to life at La Grande Cour, the centuries-old Normandy farmhouse where Hockney set up a studio a year before, in time to paint the arrival of spring. In fact, he relished the enforced isolation as an opportunity for even greater devotion to his art.
Spring Cannot be Cancelled is an uplifting manifesto that affirms art's capacity to divert and inspire. It is based on a wealth of new conversations and correspondence between Hockney and the art critic Martin Gayford, his long-time friend and collaborator. Their exchanges are illustrated by a selection of Hockney's new, unpublished Normandy iPad drawings and paintings alongside works by van Gogh, Monet, Bruegel, and others.
We see how Hockney is propelled ever forward by his infectious enthusiasms and sense of wonder. A lifelong contrarian, he has been in the public eye for sixty years, yet remains entirely unconcerned by the view of critics or even history. He is utterly absorbed by his four acres of northern France and by the themes that have fascinated him for decades: light, colour, space, perception, water, trees. He has much to teach us, not only about how to see... but about how to live.
David Hockney is the best known and most widely admired painter in the world. This vibrant catalogue accompanies a major exhibition at the The Fitzwilliam Museum and the Heong Gallery in Cambridge, as well as the Teylers Museum in Haarlem, Netherlands. Throughout his long career, David Hockney has insistently explored diverse ways of depicting the visible world. He has scrutinised the methods of the old masters, and explored radical departures from their cherished assumptions The exhibition and accompanying book are the first to focus on this central theme in his art. «Western art» from the Renaissance until at least the late 19th century has been dominated by the depiction of nature. Was this to be accomplished by direct looking (called «eyeballing» by Hockney) or with the assistance of optical theory and devices, such as cameras? Hockney has experimented with the full range of existing strategies, overtly using perspective in some of his classic pictures and rigorously investigating optical aids for the imitation of nature, including the camera obscura and camera lucida. Yet he has come to reject the photograph as the definitive image of what we see. Along the way, he has identified a «camera culture'' in European painting from 1400, arguing very controversially that the supreme naturalism of painters like Jan van Eyck are the product of optical devices. His book, Secret Knowledge (2001), with its majestic panorama of paintings over the course of five centuries, claims that art historians have missed the central aspect of painters' practice. The «Hockney thesis» has been received more favourably outside the professional world of art history than in it. His own artistic practice has been in vigorous dialogue with his radical thesis, and he has progressively demonstrated new and dynamic ways of characterising the visual world without perspective and other conventional techniques. This quest results a series of joyous challenges to our ways of seeing in the major exhibition in Cambridge at the Fitzwilliam Museum and in the Heong Gallery (Downing College). It will look at the whole span of Hockney's varied career and at the nature of the optical devices he has tested. His vision will be explored in the setting of traditional masterpieces of naturalistic observation, and in the context of modern sciences and technologies of seeing. The first section of the book looks at his thrilling experiments in seeing and representing in broad historical and contemporary contexts. This is followed by discussions of pre-photographic devices for capturing the appearances of things by optical means. The third section includes essays on Hockney's experiments from the perspectives of neuroscience and computer vision. In short, it reveals in a new way the working of Hockney's unique eye.
A collection of legendary British artist David Hockney's insights into art, life, nature, creativity and much more.
'I've always been a looker ... that's what artists do'
This anthology of quotations by David Hockney follows in the successful format of 'The World According to' series. Ranging across topics including drawing, photography, nature, creativity, the internet and much more, The World According to David Hockney offers a delightful and engaging overview of the artist's inimitable spirit, personality and opinions.
From everyday observations - 'The eye is always moving; if it isn't moving you are dead' - to artistic insights such as 'painted colour always will be better than printed colour, because it is the pigment itself', as well as musings on other image makers, including Caravaggio, Cézanne and Hokusai, Hockney has a knack for capturing profound truths in pithy statements.
Born in Bradford, England, in 1937, Hockney attended art school in London before moving to Los Angeles in the 1960s. There, he painted his famous swimming pool paintings, and since then has embraced a range of media including photocollage, video and digital technologies. In a 2011 poll of more than 1,000 British artists, Hockney was voted the most influential British artist of all time.
Presented as a beautifully designed and attractive package, illustrated with works of art from throughout Hockney's career, this is the perfect gift for art lovers everywhere.
Drawing on decades of conversations with practising artists, Martin Gayford offers intimate insight into the practice, meaning and potential of painting.
As a way of making images, pigment applied to any surface, from cave wall to canvas, painting has been around for tens of thousands of years. Yet it has proved capable of endless renewal. Now in the third decade of the 21st century it is once more at the forefront of contemporary art.
From October to December 1888 a pair of artists lived under one roof in the French provincial town of Arles. Paul Gauguin and Vincent Van Gogh ate, drank, talked, argued, slept and painted in one of the most intense and astonishing creative outpourings in history.
À l'occasion de la rétrospective David Hockney du 21 juin au 23 octobre au Centre Pompidou à Paris, l'artiste nous livre une superbe histoire de la peinture et de la photo, abondamment illustrée, pour comprendre l'histoire de l'art de façon ludique et inattendue.
Au fil de chapitres courts ponctués d'anecdotes éclairantes, l'artiste nous livre sa vision de l'histoire des images. Analysant aussi bien un tableau de Poussin qu'un portrait de Van Gogh en passant par un film de Scorsese ou un bas-relief antique, il bouscule les conventions et nous montre que la perspective linéaire n'est pas la seule représentante de la réalité, que la photographie est l'enfant de la peinture, comment Le Caravage a inventé l'éclairage hollywoodien ou pourquoi l'atelier de Van Eyck ressemblait probablement aux studios de la MGM !
Des grottes aux écrans d'ordinateur, David Hockney, avec la collaboration du critique d'art Martin Gayford, explore les moyens et les raisons qui ont présidé à la création des images au fil des millénaires.
Que montrent les images ? Des mensonges ou la réalité ? Les photographies restituent-elles le monde tel que nous le percevons ? Qu'a changé l'apparition de la photographie en 1839 ?
Exposant un large éventail d'images, par le rapprochement entre le photogramme d'un dessin animée de Walt Disney et une estampe japonaise, la scène d'un film d'Eisenstein et une peinture de Vélasquez, les auteurs effacent les frontières entre la culture traditionnelle et le divertissement populaire, et établissent des passerelles inattendues entre la mise en scène de cinéma et les tableaux, la photo et le dessin.
Version originale en anglais de l'ouvrage à paraître au Seuil, qui réunit des entretiens entre David Hockney et son ami le critique d'art Martin Gayford.
Ce livre reproduit une sélection d'esquisses de Lucian Freud, dont de nombreuses inédites. Au crayon, pastel, fusain ou à l'aquarelle, le célèbre artiste saisit tout au long de sa vie ses proches, ses amis et sa famille, mais aussi des animaux, des paysages, des nus et des natures mortes.
Dans cet ouvrage remarquable, les idées, les anecdotes, les passions et l'humour de Hockney élaborent son point de vue sur les problématiques et les paradoxes de la représentation d'un monde en trois dimensions sur une surface plane. Hockney suggère que « dessiner apprend à regarder [et que] plus on dessine, mieux on y voit ». Quels sont les liens qui unissent les images que nous fabriquons à la réalité qui nous entoure ? Comment l'évolution des technologies a-t-elle affecté la manière dont les artistes représentent le monde ? Et comment apprécier à sa juste valeur le plaisir simple de contempler des arbres, des visages ou des couchers de soleil ?
Nos deux interlocuteurs ponctuent leur conversation d'observations éclairantes sur nombre d'autres artistes comme Van Gogh ou Vermeer, le Caravage, Monet ou Picasso, et formulent des remarques lumineuses sur le contraste frappant entre les paysages de la Californie, où Hockney a passé tant d'années, et du Yorkshire, la région de son enfance où il vit à nouveau aujourd'hui.
Quelques-uns des artistes qu'il a rencontrés en chemin, notamment Henri Cartier-Bresson et Billy Wilder, font des apparitions intéressantes au détour du dialogue.
Autoportrait unique et fascinant de l'un des artistes britanniques les plus célèbres et les plus influents de son temps, Conversations avec David Hockney deviendra sans nul doute un ouvrage de référence sur la nature de la création.
De novembre 2003 à juillet 2004, le critique d'art Martin Gayford se rend deux fois par semaine, en fin de journée, dans l'atelier de Freud - l'immense artiste britannique décédé en juillet 2011 à l'âge de 88 ans. Au fur et à mesure qu'émerge sur la toile son portrait - L'Homme à l'écharpe bleue -, nous découvrons la relation intense qui s'établit entre le peintre et son modèle, une relation qui fait partie intégrante de la manière de travailler de Freud.
Grâce aux nombreuses et longues conversations rapportées par l'auteur, que celles-ci aient lieu dans l'atelier ou plus tard au restaurant où l'artiste aime à continuer d'observer son modèle, nous pénétrons dans l'univers intime de Freud qui livre quantité d'observations passionnantes sur l'histoire de l'art ou d'anecdotes souvent savoureuses sur sa vie. Ainsi, tandis que par petites touches successives Gayford nous raconte son expérience de modèle et nous fait comprendre de l'intérieur ce qu'est un portrait - une oeuvre d'art qui naît de la rencontre de deux individus -, un autre portrait se construit, fait de mots : celui de l'artiste au travail.
Le livre est illustré de nombreuses oeuvres exécutées par Lucian Freud depuis les années 1940 jusqu'aux années 2000. Fourmillant d'observations d'une grande finesse et de confidences inattendues, L'Homme à l'écharpe bleue restera comme l'un des ouvrages les plus originaux et les plus captivants sur l'art pictural de notre époque.
