Une anthologie des créations de Karl Lagerfeld et Virginie Viard pour Chanel, dans une édition revue et augmentée, présentant les photographies des défilés de 180 collections, de 1983 à aujourd'hui.
L'intégralité des campagnes photographiques Haute Couture et Prêt-à-Porter de Karl Lagerfeld pour Chanel, en plus de 600 prises de vue, réalisées entre 1987 et 2018, et réunies pour la première fois en un volume.
De sa première collection, en 1962, jusqu'à la dernière, en 2002, Yves Saint Laurent a conçu des accessoires uniques pour parer ses mythiques créations haute couture. Réalisé en partenariat avec la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent, cet ouvrage est le seul, à ce jour, à mettre en lumière les superbes bijoux, chapeaux, chaussures et sacs à main qui ont sublimé les créations de l'un des plus grands couturiers de tous les temps.
- Présente les accessoires cultes d'Yves Saint Laurent, comme les exemples conçus pour la robe Mondrian ou les boucles d'oreilles en forme d'oiseaux inspirées par Picasso, et d'autres moins connus, comme des ceintures, des gants ou des parures pour coiffures de mariées.
- Richement illustré, le livre présente des photographies d'accessoires spécialement réalisées pour l'ouvrage et une mine de trésors méconnus comme des esquisses préparatoires, des portraits intimes de Saint Laurent en pleine création et des clichés de mannequins dans les coulisses des défi lés.
- Une parution coïncidant avec l'inauguration de deux musées, l'un à Paris, l'autre à Marakkech, consacrés à l'oeuvre et à la carrière d'Yves Saint Laurent.
D'une personne disparue ne nous reste qu'une poussière d'images et de moments, une suite incohérente d'instantanés qui persistent inexplicablement et, pour ainsi dire, s'alourdissent avec le temps. Le disparu, ici, s'appelle Roland Barthes ; et ces quelques pages voudraient suivre les reliefs ténus qu'il a laissés dans la mémoire d'un ami, inventorier le disparate de quelques scènes, affronter les énigmes que laisse, dans l'esprit de l'un de ses proches, un homme qui fut un maître.
Amateur insatiable toujours en quête de nouveautés, Karl Lagerfeld ne cessa de collectionner non seulement livres et objets, mais aussi les intérieurs qui les accueilleraient, prêt à changer d'espaces comme d'autant de vies. À chaque lieu son génie, à chaque résidence son décor : l'esprit Art déco de ses premières adresses parisiennes, rue de l'Université et place Saint-Sulpice, ou le grand xviiie siècle à l'hôtel Pozzo di Borgo ; la « chambre ring » et les meubles Memphis d'un appartement à Monte-Carlo... jusqu'au Pavillon de Voisins à Louveciennes qu'il eut à peine le temps de voir achevé. C'est l'ensemble de ces intérieurs, aussi divers que remarquables, que ce livre rassemble pour la première fois, esquissant le parcours d'un des créateur les plus influents de son époque à travers les décors qu'il imagina.
Le sol inondé, à certaines périodes de l'année, d'un café vénitien, sous les Procuraties ; le service de porcelaine blanc et orangé du café Greco à Rome ; les murs de miroirs et de mogano, acajou sombre et poli, du Baratti à Turin...
C'est à la fascination pour ces endroits immatériels, transitoires par essence, que ce petit livre veut donner corps. En brassant, sans fausse pudeur, réminiscences, descriptions, anecdotes, bavardages - sinon médisances - sur des rites perdus, des boissons merveilleuses, des muphtis d'Arabie, des amoureux lunatiques et des excentriques de toutes sortes, parmi lesquels le regretté Tabacchino, chien, amateur de café, dont l'émouvant éloge funèbre, qu'on lira ici, fut justement prononcé dans le lieu qu'il hanta, l'air gourmand, le regard vide, une vie durant.
Ce livre est le premier d'importance consacré à ce groupe de jeunes artistes du Paris des années 1920, qui ont été les seuls, à l'époque, à essayer de dépasser ce qui s'était figé dans l'art abstrait en poursuivant une nouvelle forme de peinture figurative. Les oeuvres de Christian Bérard, Pavel Tchelitchew, Eugène et Léonide Berman - qui comprenaient également des dessins de théâtre, d'opéra et de ballet - ont suscité l'admiration de Gertrude Stein, George Balanchine, Edith Sitwell et Christian Dior, entre autres. L'oeuvre aux accents souvent nostalgique du groupe, présenté par Patrick Mauriès dans ce livre richement illustré, est une véritable découverte pour le public d'aujourd'hui.
Les éditions de l'Amateur publient la première monographie consacrée à Béatrice Serre, une artiste singulière qui a bouleversé l'art de la mosaïque. Ne cessant d'explorer les techniques et savoirs-faire liés à cette pratique ancestrale l'artiste Béatrice Serre ouvre de nouveaux champs d'expression à la mosaïque. Son travail atypique et inspiré s'illustre, entre autres, par un usage singulier des matériaux, associant la pâte de verre et le métal aux pierres semi-précieuses. Les créations de Béatrice Serre - panneaux muraux, miroirs, pièces de mobilier - sont présentées aujourd'hui dans des galeries en France et à l'étranger. Elle a pour clients des collectionneurs, des décorateurs de renommée internationale et des maisons de luxe comme Cartier qui a fait appel à elle pour son magasin des Champs Élysées. Publié à l'occasion de l'exposition que la Galerie Yves Gastou consacre à Béatrice Serre, cet ouvrage de 200 pages présentera ses pièces les plus emblématiques, en faisant la part belle aux détails et aux gros plans pour mieux illustrer l'audace et à la finesse de ses créations.
Extraordinaire créatrice de bijoux, qui a travaillé pour Balenciaga, Schiaparelli, les Windsor ou Leonor Fini, parmi tant d'autres, Lina Baretti, disparue en 1994, ne s'adressa qu'à un cercle de happy few, ce qui contribua à son total effacement de la mémoire de la mode.
Stupéfiants d'invention et de beauté formelle, ses bijoux se distinguent par le choix résolu de matériaux « pauvres » - liège, mica, velours « sabrés », cannetille, perles - et par un esprit proche de celui de Fulco di Verdura ou de Jean Schlumberger.Les formes naturelles de son enfance en Corse - coquillages, élytres de scarabées, ancolies, pommes de pin, écailles de poissons - soutiennent son inspiration tout au long de son trajet, jusque dans les années 1970. Précises et fragiles, scintillantes et minutieuses, ces découpes de fines feuilles de métal aux surfaces chatoyantes ont la légèreté et la souplesse des vrilles de la vigne.
Première monographie consacrée à cette créatrice singulière, ce livre est une véritable révélation, rassemblant ses bijoux et parures les plus remarquables, en même temps qu'il offre un nouvel aperçu sur les cercles artistiques et mondains d'après-guerre.
Lieu essentiel de la culture renaissante et baroque, instrument de savoir autant que de plaisir esthétique, au carrefour de l'art et de la science, le cabinet de curiosités s'effaça devant le rationalisme des Lumières, ne subsistant que dans les musées secrets de quelques collectionneurs nostalgiques. Il ne suscita, au début du 20e siècle, que l'intérêt des historiens, des amateurs de bizarre et des surréalistes qui en apprécièrent l'étrangeté et les aspects poétiques. Il fallut attendre le passage au siècle suivant pour voir le phénomène connaître une résurgence paradoxale et prendre une ampleur nouvelle. Après s'être vu consacrer, en France, à Poitiers en 2013, une exposition, « La Licorne et Le Bézoard », qui se proposait d'en retracer l'histoire, le cabinet de curiosités fait l'objet, dans le projet du FHEL, d'une approche renouvelée. Prenant acte du fait que, devenu source d'inspiration de nombreux artistes, thème d'expositions internationales aussi bien que tendance du goût et du décor intérieur, le cabinet de curiosités fait désormais partie de l'imaginaire contemporain, la présente exposition se propose d'en suivre différentes expressions, échos et interprétations. S'ouvrant sur une mise en perspective historique, elle s'intéresse essentiellement aux regardeurs qui auront réinventé, dans les dernières décennies, le concept de cabinet de curiosités : qu'il s'agisse d'institutions comme le Muséum national d'Histoire naturelle, le musée de la Chasse et de la Nature à Paris, le musée d'anatomie de Montpellier ou le musée Le Secq des Tournelles à Rouen, de personnalités singulières, comme le fondateur de la Maison rouge, Antoine de Galbert ou d'artistes comme Miquel Barceló, Jean-Jacques Lebel ou Théo Mercier. S'ébauche ainsi, sur près de 1000 mètres carrés, dans une scénographie étonnante, ce qui pourrait être un cabinet de curiosités du moment présent.
Au tournant des années 2000, François-Xavier Lalanne entama une collaboration avec les Presses de Serendip en illustrant un choix personnel de fables de La Fontaine, projet qui lui tenait à coeur depuis longtemps et qu'il n'avait pu jusqu'alors mener à bien.
Au tournant des années 2000, François-Xavier Lalanne entama une collaboration avec les Presses de Serendip en illustrant un choix personnel de fables de La Fontaine, projet qui lui tenait à coeur depuis longtemps et qu'il n'avait pu jusqu'alors mener à bien.
Renouant avec l'art de la gravure et s'étant pris au jeu, il imagina dans la foulée un Bestiaire ordinaire, consacré aux animaux et insectes qui nous entourent, dont il accompagna les images d'une suite de petits textes à l'esprit et l'humour remarquables.
De ce qui devait être un volume unique, sortit finalement un triptyque : le Bestiaire ordinaire fut suivi d'un Bestiaire nécessaire, exaltant la faune domestique, puis d'un Bestiaire légendaire, peuplé de créatures fabuleuses, du centaure à Mickey. En un défi supplémentaire, chaque planche de ce triptyque se devait d'être exécutée dans une technique différente, reflet de la diversité du réel : de la gravure sur bois à la photo, en passant par la lithographie, la pointe sèche et l'héliogravure.
Limités à soixante-quinze exemplaires, imprimés à la main sur velin d'Arches, ces volumes n'ont guère quitté le secret des cabinets de collectionneurs et n'ont été vus que d'une poignée d'amateurs. Ils battent désormais des records en vente publique.
Le présent volume rassemble pour la première fois l'ensemble des planches des trois Bestiaires (y compris celles, restreintes à dix exemplaires, des tirages de tête). Mettant en regard gravures et sculptures, il illustre superbement la dimension graphique d'un univers dont on connaissait essentiellement la valeur plastique. Il offre ainsi une véritable révélation sur un aspect totalement méconnu de la création de Claude et Francois-Xavier Lalanne, artistes dont l'oeuvre est aujourd'hui saluée par la consécration internationale.
Né en 1930 à Paris, José Quiroga fut peintre, dessinateur et décorateur de théâtre. Son travail et son parcours furent marqués par des rencontres et des collaborations avec des metteurs en scène tels que Nicolas Bataille, Jean Bollery. Sa rencontre avec le décorateur Christian Bérard fut déterminante, elle lui donna le goût de l'art et du théâtre.
Né en 1930 à Paris, d'une mère française et d'un père bolivien, José Quiroga fut peintre, dessinateur et décorateur de théâtre. Son travail et son parcours furent marqués par des rencontres et des collaborations avec des metteurs en scène tels que Nicolas Bataille, Maurice Jacquemont, Henri Ronse et Jean Bollery. Sa rencontre avec le décorateur Christian Bérard fut déterminante, elle lui donna le goût de l'art et du théâtre.
En éditant un premier volume intitulé José Quiroga, décorateur de théâtre, les Editions du Regard ont mis en lumière une activité artistique essentielle de Quiroga, mais qui n'a jamais été dissociée d'une autre tout aussi essentielle, plus secrète, plus intime, plus libre, celle de l'artiste peintre, et d'un peintre qui aime à rêver d'ailleurs, ce que révèlent les dessins et les gouaches.
Suivant un processus d'assimilation et de métamorphose où l'on reconnaît l'un des motifs obsessifs de l'oeuvre de Quiroga dans le paysage qui l'entoure, l'absorbe, et dans lequel elle semble se diffuser comme par capillarité. Ce réseau, ne serait-il pas une réponse possible à notre énigme initiale comme suivie par la pointe d'un sismographe, la méticuleuse finesse de la plume, la douce minéralité des gouaches ?
Après avoir mené des études de cinéma et de philosophie, Denis Polge (1972) a suivi l'enseignement de l'Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris. Il mène depuis plus de vingt ans une carrière indépendante et a exposé dans de nombreuses galeries en France et à l'étranger. Véritables palimpsestes de couleurs, vibrant de sourds accords, traversés de présences insistantes, tranquillement fantomatiques : dans leur discrétion même, dans leur aspect énigmatique, leur raffinement chromatique, dans leur mélancolie légère, ses paysages témoignent d'abord et avant tout d'une intense, d'une véhémente joie de peindre. Avec un texte de Patrick Mauriès.
C'est tellement étrange la peinture, entre le dialogue qui s'annonce et la conclusion d'une oeuvre : plus on la pratique, mieux on la comprend, c'est vraiment un art de vieux. J'ai mis des années à me dégager d'une forme d'immaturité, et j'ai l'impression que ce n'est que maintenant que j'entrevois ce qu'est la peinture. Delacroix disait: « il faut un coeur d'acier pour terminer un tableau. » Il ne s'agit pas simplement de transmettre la vision de ce que l'on a dans la tête, car dans l'abstraction il n'y a pas de sujet, on s'appuie sur des notions étranges, couleurs, formes, espaces, mais à un moment donné la chose vous quitte, parce que la chose est plus forte que nous. Picasso le disait parfaitement: « la peinture est plus forte que moi: elle me fait faire ce qu'elle veut. » Le pastel est doute, et moi je veux garder ce doute, parce que le doute est l'humain. La peinture ne sert pas à grand-chose, si n'est peut-être à poser des questions. Et la grande question pour moi aujourd'hui est celle de la forme. Bernard Noël, peu avant de mourir, m'a écrit, en novembre 2020, une très jolie lettre, une lettre dans laquelle il écrit à propos de mes pastels une phrase de peintre : «C'est la forme qui interroge, comme parcourue par un message qui tressaille en elle. » Ce qui m'intéresse, c'est la tension entre la forme et l'espace. La peinture est un grand mystère, on essaie de faire revivre une forme qu'on a vue par exemple chez Georges de la Tour ou Mondrian. Quand ils peignaient, ils étaient dans la forme, ils la délimitaient par un jeu de tensions, et je m'en souviens aujourd'hui dans mes tableaux abstraits où j'augmente ou diminue l'intensité et la densité de la couleur en fonction de la distance ou pas qui se crée entre une teinte et sa voisine, en laissant maintenant de plus en plus de blanc, de respiration entre chaque forme, pour être moins sage. C'est un langage qu'il faut écouter, en laissant aller le pinceau ou le bâton, et qui vous signifie si le bon équilibre est trouvé ; et le tableau est terminé lorsqu'il me surprend: car rien ne doit jamais être acquis.
Dans ce premier ouvrage visant à retracer les différentes représentations de l'androgynie, Patrick Mauriès a sélectionné les images les plus étonnantes qui illustrent le brouillage des genres, dont celles des photographes David Sim, Bruce Weber, Patrick Demarchelier, etc. Plus qu'un recueil d'images, Androgyne replace ce qui apparaît comme une tendance actuelle dans son contexte historique, entre littérature et peinture, et interroge l'aspect revendicatif qui fait aujourd'hui partie intégrante de l'androgynie. Également disponible en anglais (9780500519356).
Une anthologie des campagnes photographiques réalisées par Karl Lagerfeld pour Chanel. Le couturier est le premier de l'histoire à avoir voulu photographier lui-même les modèles des nouvelles collections pour la publicité. Cet ouvrage présente plus de 800 campagnes mettant en avant les différents départements de création de la maison Chanel : haute-couture, prêt-à-porter, croisière, métiers d'art et accessoires.
The first publication dedicated to Karl Lagerfeld's glamorous homes, known for their eclectic interiors, ranging from the art deco to the ultramodern.
While Karl Lagerfeld was famous for being at the very center of the fashion industry for over half a century, he was equally opinionated when it came to interiors, which acted as a private creative outlet.
Following an introduction by Patrick Mauries, each house is introduced by a short text by Marie Kalt unveiling the history of Lagerfeld's homes while identifying key designers and pieces. From his elegant art deco-inspired apartment in Saint-Sulpice, Paris, to the incredibly ornate eighteenth-century mansion Hôtel Pozzo di Borgo, Lagerfeld's houses reveal he was a collector on a Renaissance scale as they showcase his spectacular range. Lagerfeld balanced the old with the new and moved from one atmosphere to the next, leaving a Memphis-designed apartment in Monte Carlo for a grand tour-themed Roman pied-a-terre, followed by bucolic French country houses and even a majestic Nordic villa in his native Hamburg.
Presented in a large, elegant format, Karl Lagerfeld: A Life in Houses will be a rich source of inspiration for those interested in interior design and will appeal to fans of the decorative arts and the fashion designer himself.
Legendary designer Yves Saint Laurent's maxims on haute couture, women, style, and elegance, presented in an attractive gift format.
Founded by Yves Saint Laurent and Pierre Bergé in 1962, shortly after the young couturier left his post at the helm of Christian Dior, Yves Saint Laurent would soon become one of the most successful and influential haute couture houses in Paris. Introducing Le Smoking, the first tuxedo suit for women, in 1966, Saint Laurent also presented iconic, art-inspired creations, from Mondrian dresses to precious Van Gogh embroidery and the famous Ballets Russes collection.
The designer put the women who wore his clothes first («What's most important in couture is the body we dress, the woman we dress, more so than the ideas we might have») and was determined to change attitudes of the era («Fashion's purpose is not only to make women look beautiful, but also to reassure them and to give them confidence»). He could be critical of the fashion industry («I adore clothes but I hate fashion»), and he saw himself as a craftsman who perfectly understood his customer («I think there are three kinds of designers. The great ones, the true ones, and the ones who know how to delight a woman just by making a very simple dress, or a very simple suit»).
Presented in a beautiful package and accessible format, The World According to Yves Saint Laurent is the perfect gift for fashion fans, capturing the essence of a true visionary.
Né en 1930 à Paris, José Quiroga fut peintre, dessinateur et décorateur de théâtre. Il a collaboré avec des metteurs en scène tels que Nicolas Bataille, Jean Bollery. Sa rencontre avec le décorateur Christian Bérard lui donna le goût de l'art et du théâtre. Ses décors de théâtre s'inscrivent dans un univers à la fois dense et sombre, parsemé de touches de couleurs claires et de tonalités glacées.
Il y a une énigme Vivant Denon. Cet homme qui traversa tout le XVIII? siècle, au point d'en être, pour Anatole France, l'expression par excellence, a gardé un étonnant silence sur lui-même. Tour à tour diplomate, joli coeur, espion, courtisan, aventurier, graveur, personnage officiel, collectionneur, il est une figure de la cour de Louis XV et de Louis XVI, de la Révolution, du Directoire, du Consulat et de l'Empire, il s'impose dans l'expédition d'Égypte, dirige la politique culturelle de Napoléon et se trouve à l'origine du musée du Louvre. Il écrit quelques textes, invariablement sujets à des querelles d'attribution, et disparaît des mémoires, apprécié des seuls connaisseurs, pour ressurgir soudain, et avec quelle force, dans quelques livres récents. L'étrange parcours (et peut-être le silence) de Dominique Vivant Denon ne manque pas cependant d'exciter très tôt la curiosité ; et gravitent, dès le XVIII? siècle, autour de cette figure secrète, témoignages et hypothèses, évocations et tentatives biographiques. C'est la majeure partie de ces reliquiae, d'une qualité littéraire souvent remarquable, que l'on s'est proposé de recueillir ici, rassemblant les fragments d'une biographie par définition lacunaire. S'esquisse ainsi l'image d'un personnage hors du commun, dont il ne nous reste que quelques éclats réfractés dans le regard de spectateurs subjugués.
Né à Los Angeles en 1957 et prématurément disparu en 1999, David Seidner a laissé une oeuvre aux registres multiples, encore largement méconnue. Dès ses débuts - il avait dix-huit ans lorsqu'il exposa pour la première fois -, ses séries personnelles jouent de l'image du corps et du visage à travers des processus de fragmentation, de découpage, de glissement, de diffraction et de condensation qui provoquent un sentiment proche de ce que Freud nommait « inquiétante étrangeté ».
Collaborateur des revues les plus prestigieuses, de Vogue Italie à Harper's and Queen et Vanity Fair, il assura durant plusieurs saisons les campagnes photographiques de la maison Yves Saint Laurent.
Les deux livres qu'il se vit confier par le Musée des Arts décoratifs - Moments de mode et Le Théâtre de la mode - sont aujourd'hui ardemment recherchés ; ils prennent place auprès d'Artists' Studios, sans doute son ouvrage majeur, où sont rassemblés les portraits, tant photographiques que littéraires, qu'il mit plusieurs années - et toute son énergie - à recueillir, établissant à sa manière une petite histoire de l'art contemporain.
Articulées autour de différents thèmes - corps fragmentés, nus, portraits, ainsi qu'une ultime, et éblouissante, séquence d'orchidées -, les oeuvres ici présentées allient le souci formel le plus extrême à la sensualité la plus raffinée, tout en restant soumises à ce qui fut peut-être le principe directeur de son approche : l'ouverture aux puissances créatrices du hasard, de l'aléa et du changement.
Cet ouvrage, publié à l'occasion de l'exposition « David Seidner » présentée à la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent du 2 octobre 2008 au 29 janvier 2009, est le premier à remettre en lumière la force d'une oeuvre que diverses circonstances ont quelque peu maintenue dans l'ombre depuis la mort du photographe.
