New York, 1927 : jeune femme à la beauté classique, Lee Miller est découverte par Condé Nast, fait la couverture de Vogue et se voit immortalisée par les plus grands photographes, dont Steichen, Hoyningen-Huene et Horst. Paris, 1929 : amie d'Eluard et de Picasso, élève et compagne de Man Ray, elle invente avec lui la technique photographique de la solarisation, devient une brillante photographe surréaliste et joue le rôle de la statue dans Le Sang d'un poète de Jean Cocteau. Europe, 1944-1945 : correspondante de guerre pour le magazine Vogue, elle est la seule femme
à suivre l'avancée des armées alliées, des plages de Normandie aux camps de la mort et au « nid d'aigle » d'Adolf Hitler en Bavière. Ses photo-graphies de Dachau bouleversent le monde entier. Ce ne sont là que trois des nombreuses vies de Lee Miller, relatées ici par son fils Antony Penrose,
né de son union avec le peintre surréaliste Roland Penrose. De cette héroïne stendhalienne aussi étonnamment belle qu'intrépide, de cette troublante voyageuse, le photographe David Sherman disait qu'elle « incarna au plus près la nouvelle femme du milieu du XXe siècle ». Riche de 171 illustrations en duotone (une sélection de ses plus belles photographies et portraits signés par les plus grands photographes), ce livre retrace le parcours éminemment
romanesque de celle qui fut l'une des femmes les plus extraordinaires de son temps.
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Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.

A la recherche du temps perdu est l'un des romans les plus profondément visuels de la littérature occidentale.
Le texte de Marcel Proust abonde en références picturales : le personnage d'Elstir est directement inspiré des peintres James whistler et Paul Helleu ; l'apparence de Boch enfant a de nombreux points communs avec le portrait du sultan Mehmet II par Gentile Bellini ; Odette de Crécy frappe Swann par sa ressemblance avec une figure peinte à fresque par Botticelli. D'un personnage secondaire, une certaine Mme Blatin, proust va même jusqu'à écrire que " c'est exactement le portrait de Savonarole par Fra Bartolomeo ".
De même que le jeune narrateur, à bord d'un train le menant à Balbec, ne cesse de "courir d'une fenêtre à l'autre (. ) pour rentoiler les fragments (de son) beau matin écarlate et versatile et en avoir une vue totale et un tableau continu ", l'auteur du présent ouvrage tente de réunir dans un même volume les tableaux fugitivement évoqués et imbriqués dans la trame de ce roman émouvant, afin d'offrir pour la première fois au lecteur " une vue totale et un tableau continu ".
Toutes les oeuvres du roman, qu'elles soient nommément citées ou simplement évoquées par Proust, sont ici reproduites avec, en vis-à-vis, le passage de la recherche dans lequel elles sont mentionnées. Anges de Botticelli, courtisanes de Manet, guerriers de Mantegna et saints de Carpaccio se mêlent ainsi aux nymphéas de Monet et aux gravures de Rome par Piranèse. Le musée imaginaire de Marcel Proust est une référence incontournable pour tous les passionnés de Proust ainsi que pour tous ceux qui souhaiteraient aborder pour la première fois ce chef-d'oeuvre de la littérature française.
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Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.
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artisanats du monde Bryan et Polly Sentance Traduit de l'anglais par Lydie
Echasseriau Parution : 1er avril 2010 Ce livre de référence sur l'artisanat
mondial est une source de renseignements indispensable pour tous ceux -
amateurs, étudiants, collectionneurs, voyageurs - qui s'intéressent à l'art, à
l'artisanat et aux objets décoratifs, ainsi qu'à tout ce qui fait le sel de la
culture humaine : sa diversité. Le tissage berbère, les pendentifs
talismaniques nord-africains, les tapis-tigres tibétains, l'origami japonais,
les hameçons maori, les calebasses gravées d'Amérique du Sud, la poterie
amazonienne, les oeufs peints de Hongrie, les perles de verre de Venise, les
mâts totémiques du Pacifique, les boîtes des Shakers... La diversité des objets
artisanaux présentés dans cet ouvrage est véritablement impressionnante. Ce
livre est en effet le premier à passer en revue, à l'échelle mon-diale, un si
grand nombre de pratiques artisanales. La description et l'histoire des
techniques utilisées - du tissage sur un métier de ceinture au découpage du
papier en passant par la fonte des métaux ou la sculpture sur bois - et les
illustrations qui les accompagnent mettent en lumière l'incroyable diversité
des styles et l'originalité des différentes traditions. Qu'ils soient anciens
ou contemporains, les objets présentés au fil des pages sont tous le fruit de
méthodes de fabrication traditionnelles. Cet ouvrage s'organise en 6 chapitres,
chacun consacré à une zone géographique précise : - l'Amérique du Nord -
l'Amérique latine - l'Europe - l'Afrique - l'Asie - l'Océanie. Abondamment
illustré et accompagné d'une liste des musées et collections spécialisés dans
l'art populaire et l'artisanat, ce livre rend hommage aux traditions et aux
savoir-faire du monde entier. Il montre comment, partout dans le monde, malgré
l'accélération du phénomène de la mondialisation, ces traditions restent
paradoxalement bien vivantes. Bryan et Polly sentance ont passé de nombreuses
années à collectionner et étudier les objets artisanaux à travers le monde
entier. Bryan Sentance est artiste, illustrateur et enseignant en art et
artisanat. Il est l'auteur, entre autres, des ouvrages suivants : Le Bois :
l'artisanat du bois dans le monde (La Martinière, 2003) ; La Vannerie :
techniques et traditions à travers le monde (Flammarion, 2001) ; et Textiles :
le tour du monde illustré des techniques traditionnelles, en collaboration avec
John Gillow (Alternatives, 2000). Polly Sentance s'intéresse depuis toujours à
l'artisanat ethnique et a participé en tant que chercheuse et photographe à
l'élaboration de plusieurs livres sur l'artisanat. Volume relié 24 x 28 cm -
240 pages 480 illustrations dont 475 en couleurs ISBN : 978-2-87811-346-4 38 ?

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L'impact des technologies du numérique sur la création artistique contemporaine est immense. Non seulement des disciplines dites classiques, comme la peinture ou la sculpture, ont été profondément transformées par le numérique, mais celui-ci a également donné naissance à des formes radicalement nouvelles telles que l'art Internet, le Software art, le Database art ou la réalité virtuelle. Cet ouvrage richement illustré, première étude en grand format de l'art créé à l'aide de l'outil numérique, présente le travail de plus d'une centaine d'artistes du monde entier, des artistes animés par la volonté d'expérimenter, de repousser toujours plus loin les frontières de l'expression artistique, et d'apporter un élément de réponse aux questions sociales et politiques qui se posent de manière brûlante à l'ensemble de l'humanité. Après avoir retracé la genèse de l'art numérique, ce livre se propose d'en considérer les principales catégories, des images et sculptures numériques à l'art Internet, en passant par les créations de réalité virtuelle et les formes nouvelles d'installations, sans oublier les oeuvres filmiques (vidéo numérique ou animation de synthèse). En regard des analyses et illustrations d'oeuvres clés, dues à des créateurs célèbres ou destinés à le devenir, figurent des propos d'artistes révélant leurs sources d'inspiration et méthodes de travail. L'ouvrage s'achève par une réflexion sur l'avenir de cette forme artistique liée à une technologie en constante et rapide mutation. L'Art à l'ère du numérique est un guide essentiel pour qui souhaite s'immerger dans l'univers passionnant d'une forme d'art en perpétuel devenir afin d'en découvrir l'esthétique originale et d'en comprendre les multiples enjeux.
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Deuxième ouvrage de la série " Remake it ", Remake it Mode nous montre comment la mode, parfait miroir de notre temps, se veut aujourd'hui durable et éco-responsable. De nombreux créateurs et de nombreuses marques - de Martin Margiela à Christopher Raeburn, de Clements Ribeiro à Freitag - utilisent de façon novatrice des matériaux biologiques ou créent leurs vêtements et accessoires à partir de textiles recyclés, quand ils ne cherchent pas à faire revivre des vêtements hors d'usage. Parallèlement, le concept du " do it yourself " attire aujourd'hui de plus en plus de monde, car il fait contrepoids à la consommation de masse, à l'uniformisation de la mode et au règne du tout-jetable. C'est donc à la fois pour des raisons écologiques et pour répondre à une pulsion créatrice qu'on fabrique soi-même ses vêtements ou qu'on les customise en affirmant son individualité.

Agrémenté de fiches pratiques, auxquelles viennent répondre de nombreux exemples de créateurs, cet ouvrage montre ainsi comment on peut inventer chez soi sa propre mode. Pour cela, savoir couper, découdre, teindre, draper, nouer et plus généralement réimaginer un vêtement est tout aussi utile que de savoir coudre. Improviser une tenue de soirée, agrandir les vêtements trop petits de ses enfants, fabriquer un cabas dans un tee-shirt ou une robe dans un foulard : une chose est certaine, les transformations les plus simples sont souvent les plus spectaculaires.
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Le monde est devenu un système interconnecté qui génère un flot incessant de données.
Le graphisme d'information permet de gérer ce flot. de comprendre. de hiérarchiser et de diffuser efficacement les informations. " Data Flow " propose une vitrine des infographies les plus innovantes et montre ainsi la multiplicité des méthodologies mises en oeuvre pour exprimer la complexité des données, en proposer des simplifications, garantir leur lisibilité. gérer leur surabondance. Incontournable panorama des codes.
Visuels les plus actuels. Data Flow présente des réalisations étonnantes qui inspireront non seulement graphistes, ingénieurs, statisticiens et décideurs, mais aussi tous ceux qui souhaitent appréhender un champ nouveau et essentiel, un champ où l'esthétique et le savoir-faire technique sont mis au service d'une meilleure compréhension de notre monde. Les six chapitre, de Data Flow proposent des textes clairs et incisifs, des exemples d'infographies innovantes ainsi qu'une classification originale des applications graphiques et des formules conceptuelles qui redéfinissent le design graphique d'information actuel.
Analogies : Donner du poids, du volume et de la texture aux données permet aux designers graphiques de mobiliser l'ensemble de nos moyens de perception. Sphère : Le cercle est la première et la plus parfaite des formes. Impossible à tracer à main levée. la sphère incarne le potentiel, c'est-à-dire la dynamique entre ce qui est réalisé et ce qui pourrait l'être. Corps : En utilisant le corps humain comme sujet ou comme support, les graphistes proposent des visualisations capables à la fois de satisfaire notre fascination pour notre propre reflet et de gérer divers degrés d'abstraction.
Réseaux : En révélant la structure d'un phénomène. les réseaux de points de données mettent en évidence les causes, le contexte, l'interdépendance. Blocs : L'utilisation novatrice des formes quadranglaires traditionnelles renouvelle la visualisation de données notamment économiques et financières. Paysages : Jouant alternativement de la topographie et de la topologie. la disposition spatiale des données leur confère fluidité, direction, contexte et ordonnancement.
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Il est difficile d'imaginer un monde sans argent : il occupe une place centrale dans nos vies quotidiennes et régitIl est difficile d'imaginer un monde sans argent : il occupe une place centrale dans nos vies quotidiennes et régit
l'organisation même de nos sociétés. De nombreux artistes ont choisi de traiter de cette puissante force sociale et des effets qu'elle exerce sur nous.
Ce livre se présente sous la forme originale d'une exposition dans laquelle, salle après salle, le visiteur/lecteur découvre des oeuvres qui toutes analysent la place et le rôle de l'argent dans le monde contemporain. L'art qui est ici exposé révèle une grande diversité de démarches et de pratiques. Certains artistes représentent ou utilisent de véritables devises dans leurs oeuvres, tandis que d'autres s'attachent à des aspects plus abstraits tels que les flux monétaires internationaux. Certains créent des objets onéreux à partir de matériaux précieux ou façonnent des copies sculpturales de produits de luxe. D'autres, à l'opposé, fabriquent des oeuvres à l'aspect rudimentaire qui soulèvent la question de la valeur monétaire. Certains, estimant que l'art est un produit de consommation utilitaire comme un autre, imaginent des
oeuvres que l'on a peine à distinguer d'un objet de design ou d'une réalisation architecturale, tandis que d'autres proposent des oeuvres qui traitent du commerce, y compris celui de l'art. D'autres encore envisagent l'art comme un moyen d'explorer et d'éprouver des alternatives qui pourraient un jour défier voire remplacer notre système capitaliste. Tous s'interrogent sur la fonction complexe de l'argent dans notre société de consommation.
Par leur art, les artistes de cet ouvrage nous aident à comprendre les mécanismes de l'argent et à mieux appréhender le monde dans lequel nous vivons.l'organisation même de nos sociétés. De nombreux artistes ont choisi de traiter de cette puissante force sociale et des effets qu'elle exerce sur nous.
Ce livre se présente sous la forme originale d'une exposition dans laquelle, salle après salle, le visiteur/lecteur découvre des oeuvres qui toutes analysent la place et le rôle de l'argent dans le monde contemporain. L'art qui est ici exposé révèle une grande diversité de démarches et de pratiques. Certains artistes représentent ou utilisent de véritables devises dans leurs oeuvres, tandis que d'autres s'attachent à des aspects plus abstraits tels que les flux monétaires internationaux. Certains créent des objets onéreux à partir de matériaux précieux ou façonnent des copies sculpturales de produits de luxe. D'autres, à l'opposé, fabriquent des oeuvres à l'aspect rudimentaire qui soulèvent la question de la valeur monétaire. Certains, estimant que l'art est un produit de consommation utilitaire comme un autre, imaginent des
oeuvres que l'on a peine à distinguer d'un objet de design ou d'une réalisation architecturale, tandis que d'autres proposent des oeuvres qui traitent du commerce, y compris celui de l'art. D'autres encore envisagent l'art comme un moyen d'explorer et d'éprouver des alternatives qui pourraient un jour défier voire remplacer notre système capitaliste. Tous s'interrogent sur la fonction complexe de l'argent dans notre société de consommation.
Par leur art, les artistes de cet ouvrage nous aident à comprendre les mécanismes de l'argent et à mieux appréhender le monde dans lequel nous vivons.
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Aussi subtile et multiforme que la congrégation des dieux qu'elle honore, la culture indienne échappe souvent, par sa complexité, à notre appréhension. De cette multitude de langues, de croyances, d'esthétiques, Roy C. Craven dresse un panorama concis et lumineux, en se fondant sur les meilleures études en la matière : des origines, encore mystérieuses, avec la civilisation de l'Indus, jusqu'à l'avènement de l'Islam et la culture éclectique des cours mogholes, en passant par les chefs-d'oeuvre bouddhiques et hindous. Quoique l'on puisse évidemment apprécier en soi, hors de toute référence culturelle, l'art indien, l'étude de Roy C. Craven permet d'approfondir cette jouissance en guidant le lecteur à travers de subtiles ramifications et un symbolisme complexe. Cet ouvrage passionnant est à présent enrichi, dans cette nouvelle édition, d'une section consacrée à l'époque contemporaine, d'un glossaire et d'une chronologie.
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« Le livre le plus important jamais écrit sur l'histoire des couleurs. » Michel Pastoureau La couleur, source d'intenses expériences sensorielles, est aussi l'un des véhicules de la transmission culturelle. Dans cet ouvrage l'éminent historien d'art britannique John Gage étudie l'histoire de la perception et de l'utilisation de la couleur dans l'art et la culture en Occident. Cette analyse historique déterminante qui va de la Grèce antique au début du xxe siècle aborde les multiples facettes du sujet dans les domaines artistique, technique, scientifique, philosophique et religieux. L'auteur décrit ainsi les premières théories de la couleur élaborées par les philosophes grecs, de Démocrite à Aristote, et les tentatives des Romains puis de leurs disciples de la Renaissance pour organiser les couleurs de façon systématique et les doter de valeurs symboliques. Il révèle par ailleurs la signification religieuse des couleurs et leur usage héraldique, explore l'analyse expérimentale du spectre chromatique entreprise par Newton et poursuivie au xixe siècle par des artistes tels que Seurat, et étudie l'influence de la théorie de Goethe sur la couleur.
Il se penche, enfin, sur les théories qui tenteront de mettre en corrélation couleur et musique ou de transformer la couleur en un langage abstrait indépendant. L'ouvrage, accompagné de plus de 220 illustrations et doté d'un appareil critique considérable, aborde également des sujets aussi passionnants que la fascination pour l'arc-en-ciel, les techniques d'élaboration des pigments ou encore l'évolution de la palette du peintre. Cette première histoire globale de la couleur intéressera au plus haut point les artistes, les historiens de l'art et de la culture et tous ceux qui désirent comprendre le rôle essentiel joué par la couleur dans nos sociétés passées et actuelles.
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La performance a joué un rôle fondamental dans l'histoire de l'art du XXe siècle et connaît, en ce début de XXIe siècle, un essor remarquable. Cette nouvelle édition mise à jour de l'ouvrage pionnier de RoseLee Goldberg rend compte des changements d'ordre technologique, politique et esthétique intervenus dans l'art de la performance ces dernières années ainsi que de l'augmentation impressionnante du nombre d'oeuvres produites dans ce domaine et de lieux qui lui sont consacrés dans le monde. Les oeuvres de Marina Abramovic, Francis Alÿs, Maurizio Cattelan, Paul McCarthy, Pierre Huygue, Matthew Barney, Patty Chang ou encore Allora et Calzadilla sont examinées en regard de celles des premiers praticiens du genre - futuristes, constructivistes, dadaïstes, surréalistes, artistes du Bauhaus - et de grands noms comme Yves Klein, Piero Manzoni, John Cage, Merce Cunningham, Gilbert & George, Dan Graham, Laurie Anderson, Robert Wilson, Pina Bausch ou Alain Platel.
Moyen depuis toujours pour les artistes de briser les catégories consacrées, d'ouvrir de nouvelles voies et de marquer leur " différence ", la performance est l'une des formes artistiques majeures de notre époque.
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L'ornementation typographique a connu diverses fortunes dans l'histoire de la création graphique. Elle a été portée aux nues par des mouvements comme l'Arts & Crafts ou rejetée par d'autres comme le Bauhaus. Après avoir longtemps disparu du paysage graphique, elle effectue aujourd'hui un retour en force spectaculaire.
Cet ouvrage propose de montrer comment les graphistes, illustrateurs et typographes actuels intègrent des caractères calligraphiés, illustrés, ornementés, expressifs, dans leurs projets personnels ou commerciaux.
Ce panorama foisonnant est divisé en trois parties : la première consacrée aux influences des styles et périodes du passé, la deuxième à la prédominance des motifs issus de la nature et la troisième au grand éclectisme qui règne dans ce domaine. Dans chaque partie, des modules thématiques présentent les principaux styles et motifs de ce renouveau typographique : " victorien ", " psychédélique ", " fleurs ", " fumée ", " liquide " ou encore " chaotique " et " puzzle ".
Le point de vue passionnant des auteurs, leur sélection pointue et originale font de Nouvelle Typographie ornementale un ouvrage de référence et une superbe source d'inspiration pour les amoureux de la typographie.
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Ma Ville en vert présente une multitude d'idées pour réintroduire la nature au coeur de la cité.
De l'architecture à l'activisme potager, du design au jardinage, ce livre foisonnant de réalisations d'artistes, d'architectes, de designers et de simples citoyens à travers le monde réinvente notre quotidien urbain avec poésie, humour, créativité et respect de l'environnement.
Potagers urbains, jardins communautaires, guerilla gardening, fermes verticales, interventions artistiques, design vert., les centaines de projets présentés ici révèlent avec force les possibilités fonctionnelles et esthétiques de l'écologie urbaine.
Tandis que certains de ces projets vont jusqu'à modifier le paysage urbain, d'autres, à une échelle plus réduite mais non moins importante, font de nos villes des endroits plus verts et tout simplement plus agréables à vivre. Quelle que soit leur nature, tous ces projets nous amènent à changer notre regard sur la ville et la manière dont nous pensons notre environnement.
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Drancy ou le travail d'oubli William Betsch Traduit de l'anglais par Gilles
Berton Parution : 11 mars 2010 Une enquête photographique et historique sur le
Drancy d'hier et d'aujourd'hui par celui grâce à qui la Cité de la Muette fut
classée sur la liste des monuments et des sites protégés en 2001. Il y a des
lieux qui connaissent une destinée singulière et tragique - la Cité de la
Muette à Drancy est de ceux-là. Conçu par les architectes modernistes Beaudouin
et Lods dans les années 1930 sur le modèle des cités-jardins, cet ensemble de
logements sociaux se voulait utopique. La crise économique et politique en
France devait très vite en décider autrement. En effet, la Cité de la Muette
fut transformée en caserne pour la gendarmerie et en prison dès avant la
guerre. Lorsque l'occupant nazi s'en empara, il s'agissait déjà d'un lieu
d'internement ; sous son commandement, il devint un camp de concentration
depuis lequel des dizaines de milliers de personnes, dont plus de 67 000 Juifs,
furent déportés vers les camps de la mort, principalement à Auschwitz-Birkenau,
via la gare du Bourget puis, dès la mi-1943, celle de Bobigny. Dans les caves
de la Cité qui étaient autrefois les cachots du camp, le photographe William
Betsch a retrouvé de nombreuses inscriptions datant de cette sombre époque -
noms, dates, portraits, prières : traces émouvantes d'une vie inscrite in
extremis par des hommes et des femmes dont il tente de découvrir l'histoire et
le destin, traces qui côtoient celles laissées peu après par les collaborateurs
internés dans ce même lieu. Les murs de Drancy forment un vertigineux
palimpseste. La découverte de ces inscriptions décida Betsch à enquêter sur ce
lieu. A travers un texte richement documenté, il analyse les faits qui ont
participé à plonger en partie Drancy dans l'oubli. Il nous livre ainsi les
fruits de sa recherche concernant non seulement la genèse de la Cité de la
Muette, son changement de vocation, son fonctionnement sous commandement nazi,
mais aussi l'énigmatique discordance des récits portant sur le creusement d'un
tunnel d'évasion découvert par les SS peu avant son achèvement, discordance qui
amène Betsch à s'interroger sur le rôle joué par le commandant allemand du
camp, Aloïs Brunner, dans ce projet d'évasion. Aux images des sous-sols,
l'auteur oppose celles d'un Drancy en surface. Ses photographies d'appartements
et de commerces dans la Cité ainsi que de rues voisines portent d'innombrables
signes d'une mémoire qui chercherait, avec une troublante insistance, à
s'imposer. Au travers des nombreuses interrogations qu'il soulève, William
Betsch révèle les points d'ombre qui demeurent à Drancy et nous incite à
comprendre pour ne pas oublier. William Betsch est né en 1945 aux États-Unis.
Il vit et travaille en France depuis 30 ans. Parmi ses autres ouvrages, on peut
citer The Hakima, publié par Aperture, et Le Bain : Cité du sang (avec Carole
Naggar), aux éditions Pierre Fanlac. ``Le travail du photographe américain
William Betsch, qui a retrouvé dans les caves ayant servi de cachots de
multiples inscriptions, est à l'origine de [la] procédure de classement [de la
Cité de la Muette] : ni les organisations de la communauté juive, ni celles des
survivants de la déportation ne l'avaient jamais réclamée.'' Annette Wieviorka,
L'Histoire n° 257, septembre 2001 Volume broché 22,5 x 22,5 cm - 240 pages 196
illustrations ISBN : 978-2-87811-330-3 ?

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Présentation du livre La Vallée des Rois, où sont enterrés les pharaons du Nouvel Empire, ne cesse de passionner un public de plus en plus vaste. Or, pour la plupart, les gens ignorent que la base des collines du massif thébain, à l'est des tombes royales, compte d'innombrables sépultures merveilleusement décorées de personnages qui étaient au service des pharaons : vizirs, fonctionnaires, courtisans et même ouvriers et artisans qui excavaient et décoraient les hypogées royaux. À ce jour, environ 900 cents tombes, datant de diverses périodes de l'histoire égyptienne, ont été découvertes dans ces collines rocheuses, et il est certain que beaucoup d'autres y sont encore cachées.
Ce livre s'intéresse à environ 80 tombes creusées dans les collines au cours du Nouvel Empire, période qui représente l'âge d'or de l'Égypte et qui s'étend approximativement de 1550 à 1100 av. J.-C. Si certaines de ces sépultures privées sont bien connues et contiennent des scènes familières, d'autres ont presque disparu aux yeux du monde. Beaucoup d'entre elles, quoiqu'accessibles, sont fermées au public et ne sont visitées que sporadiquement par les chercheurs. D'autres ont été recouvertes au cours des siècles par des villages, le plus célèbre étant celui d'El-Gournah, situé à l'ouest de Ramesseum. Afin de permettre le sauvetage des tombes, le Conseil Suprême des Antiquités (CSA), dont l'auteur Zahi Hawass est le secrétaire général, a financé la construction d'un nouveau village à El-Tarif au nord de la Vallée des Rois afin d'y transférer en 2008 les habitants d'El-Gournah, qui fut alors presque entièrement démoli, révélant très vite de nouvelles tombes.
Toutes les sépultures décrites dans ce livre nous éclairent non seulement sur la vie des anciens Égyptiens, sur les fonctions magiques de ces petits temples destinés au culte des morts, mais aussi plus généralement sur l'histoire de cette période extraordinaire. Grâce aux photographies superbes et hautement détaillées de Sandro Vannini, le lecteur découvre toute la splendeur des tombes, notamment de celles demeurées fermées au public depuis de longues décennies. Ces images rares représentent un témoignage précieux de ces monuments irremplaçables et participent grandement à la compréhension de l'univers des anciens Égyptiens.

Présentation de l'auteur Zahi Hawass, secrétaire général du Conseil Suprême des Antiquités, est le directeur des fouilles de Giza, de Saqqarah et de l'oasis de Bahariya. Tout au long de sa brillante carrière d'égyptologue, il a fait plusieurs découvertes majeures dont les tombes des constructeurs des pyramides de Giza et de la Vallée des Momies d'Or à Bahariya. Il a écrit de nombreux ouvrages et articles sur l'Égypte ancienne, entre autres Le Trésor de Toutankhamon (Imprimerie Nationale), The Royal Tombs of Egypt et une autobiographie, Secrets from the Sand.

Présentation du photographe Sandro Vannini, photographe de renommée internationale, travaille en étroite collaboration avec Zahi Hawass depuis de nombreuses années. Ensemble ils ont notamment réalisé l'ouvrage The Royal Tombs of Egypt.

- Un magnifique ouvrage servi par des illustrations fascinantes - Des oeuvres sauvées de l'oubli et de la destruction montrées pour la première fois - Un ouvrage incontournable pour tous les amateurs d'art égyptien
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La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain.
Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images.
Cette nouvelle édition revue et augmentée propose un nouveau chapitre dans lequel l'auteur s'intéresse aux artistes qui jouent sur les propriétés physiques et matérielles de la photographie, qui utilisent celle-ci comme l'un des nombreux matériaux de leur pratique artistique ou qui expérimentent de nouveaux modes de diffusion. Aux côtés d'artistes établis comme Isa Genzken ou Sherrie Levine, on découvrera des photographes plus jeunes tels que Florian Maier-Aichen, Anne Collier et Walead Beshty.
Au fil de huit chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.
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L'orange intense d'une mandarine sur un fond bleu cobalt ; les rouges et roses éclatants des maisons mexicaines ou des flamboyants de l'île Maurice baignés de lumière ; les mille touches de couleur coquelicot d'un champ provençal ; la myriade de couleurs formée par les fruits, légumes, fleurs et épices des marchés du monde entier... L'attrait et la puissance d'évocation de ces images démontrent que, de tous les éléments constitutifs du monde qui nous entoure - qu'il s'agisse de formes, de textures, de sons ou de couleurs -, ce sont bien ces dernières qui nous touchent le plus directement, allant jusqu'à déterminer notre humeur et notre bien-être. La couleur joue ainsi dans nos vies, et notamment dans nos intérieurs, un rôle majeur quoique souvent mystérieux. Le photographe Gilles de Chabaneix a parcouru de nombreux pays à la recherche des couleurs qui subliment nos intérieurs mais aussi le monde naturel et les paysages urbains. Il nous montre comment la couleur s'apparente à elle seule à un véritable art de vivre. Le premier chapitre du présent ouvrage est consacré aux intérieurs monochromes où le blanc, le noir et des dégradés de gris sont utilisés seuls ou en guise de toile de fond pour accueillir ici et là quelques touches de couleurs vives. Un deuxième chapitre s'intéresse au bleu sous toutes ses formes, et montre comment une couleur peut, à elle seule, créer une ambiance particulière, et à quel point, combiné à du blanc, le bleu évoque immédiatement un art de vivre de bord de mer. Dans les chapitres suivants, les rouges et les roses se révèlent les couleurs du luxe et d'un style de vie raffiné, tandis que les jaunes et les verts transportent l'éclat du soleil et de la nature jusqu'au coeur de la maison. Le dernier chapitre, enfin, présente des couleurs issues de matériaux naturels, les ocres par exemple. Ensemble, toutes ces photographies produisent un étonnant kaléidoscope des plus belles possibilités décoratives de la couleur.
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Personnage séduisant, artiste versatile à l'étonnante maîtrise technique, david hockney est rapidement devenu l'un des artistes contemporains les plus populaires.
Son oeuvre est sans cesse reproduite et interprétée, au point d'influencer le sentiment visuel de l'époque. depuis ses débuts, dans les années 60, il est parvenu à imposer un univers à la fois intime et universel de couleurs vives, de riches textures, au graphisme accompli et aux solutions formelles toujours captivantes. s'il a su se créer et imposer une mythologie personnelle, il a cependant toujours veillé à ne pas se reposer sur un style, sur un registre unique, et se déplace constamment vers de nouveaux projets, de nouvelles expériences.
C'est la chronique détaillée et sensible de ce parcours que retrace l'ouvrage extrêmement vivant de marco livingstone, "première étude majeure, a écrit apollo, de la carrière de l'artiste". spécialiste du pop art, marco livingstone a veillé sur la destinée de plusieurs musées britanniques et consacré plusieurs expositions et ouvrages à la peinture moderne.
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Un livre qui expose de façon extraordinaire une vaste gamme de thèmes [...].
Gage fait preuve d'une érudition stupéfiante. il semble avoir tout lu : non seulement tout ce qui a été écrit spécifiquement sur la couleur mais, par exemple, tout ce qui concerne la couleur dans les théologies médiévale, latine et byzantine, ou chez dante, que sais-je encore ! j'ai rarement appris autant à la lecture d'un livre [...]. quiconque s'intéresse à la peinture doit impérativement étudier cet ouvrage.
Arthur danto - the london review of books. riche en informations passionnantes, qui ont nécessité trente ans de travail, cet ouvrage suscite l'engouement. [...] on doit être reconnaissant à gage de l'extrême attention qu'il a portée à l'influence des doctrines " hérétiques " de goethe et surtout de la façon dont il a exposé la théorie et la pratique picturales au xixe siècle, de delacroix à seurat, et, en particulier, à van gogh.
Sans oublier sa capacité à nous éclairer sur les répercussions complexes des diagrammes chromatiques d'ostwald sur les peintres du xxe siècle en europe et aux etats-unis. sir ernst gombrich - the burlington magazine
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Ce livre raconte l'histoire vraie du petit Tony qui a la grande chance de compter parmi ses amis un célèbre artiste, Pablo Picasso. Ensemble, dans le secret de l'atelier du maître espagnol dans le sud de la France et dans la ferme familiale des Penrose en Angleterre, ils passent beaucoup de temps à jouer et à regarder les animaux. Picasso montre à l'enfant certaines de ses oeuvres et lui raconte d'où lui vient son inspiration. Ce témoignage plein de nostalgie et de douceur est illustré de dessins d'enfants, de reproductions d'oeuvres ainsi que de photographies émouvantes de cette amitié hors du commun.

Nombreux sont les créateurs de mode qui restent aujourd'hui attachés à l'art du dessin et continuent à trouver magique la manière dont le feutre, la plume ou le crayon parviennent à traduire sur le papier, sous une forme matérielle construite, des pensées et des émotions intangibles.
C'est à cet aspect mystérieux de la création de mode que s'attache cet ouvrage, en présentant un vaste échantillon représentatif de l'illustration de mode : 280 croquis réalisés par ceux-là mêmes qui créent la mode ; 60 stylistes, couturiers ou jeunes créateurs qui sont aujourd'hui les fers de lance de la mode contemporaine. des grandes figures mythiques telles que chirstian lacroix, sonia rykiel, yves-saint-laurent aux nouveaux visionnaires comme jens laugensen, rodarte ou roksanda ilincic, tous ont accepté, en nous confiant leurs dessins, de dévoiler la face la plus intime de leur travail.
Chaque illustration, élégante et raffinée, proche de la bd ou du manga, en noir et blanc ou en couleurs, à l'encre ou à l'ordinateur, lève le voile sur le processus de création lui-même et met ainsi en lumière de façon étonnamment concrète l'impulsion à la base d'un vêtement ou d'une collection. a l'origine, seul le créateur ou la créatrice de mode, et éventuellement son équipe, étaient amenés à voir ces dessins, considérés comme des documents de travail, des sources d'inspirations ou des lignes conductrices.
Extrêmement précieux, ils constituent pour tous ceux qui s'intéressent à la mode ou à l'art de l'illustration un must-have absolu : une plongée dans la création de mode à travers son médium le plus fascinant - le dessin.
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Voici le 101e titre de notre collection L'Univers de l'art : un dictionnaire de la mode très riche en illustrations dont le prix modéré ravira tous les étudiants et passionnés de mode. Doté de plus de 1 000 entrées et de plusieurs centaines d'illustrations, le Dictionnaire de la mode propose des informations détaillées non seulement sur la vie et l'oeuvre de tous les protagonistes de la mode de 1840 à nos jours - couturiers, chapeliers, créateurs de chaussures, coiffeurs de renom, créateurs de bijoux et de costumes pour la scène. - , mais aussi sur la presse spécialisée et les illustrateurs et photographes qui y officient, les mouvements artistiques qui ont influencé la mode, les termes techniques, les styles vestimentaires, les accessoires, les procédés de fabrication et tous les types de tissus, sans oublier certaines grandes personnalités ou célébrités qui, de Madame Récamier à Madonna, en passant par Katharine Hepburn ou Brigitte Bardot, ont été à l'origine d'un style marquant. Cet ouvrage constitue une source précieuse d'information pour les historiens de la mode et les étudiants, ainsi qu'une lecture passionnante pour tous ceux que le sujet intéresse.
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Accessoire incontournable, le foulard occupe dès le début du XXe siècle une place essentielle dans la garde-robe de la femme moderne. Après avoir été, au milieu du siècle dernier, une icône du style, il revient aujourd'hui en force, un regain d'intérêt qui n'est pas sans lien avec l'engouement pour la mode vintage. Si l'histoire du foulard fascine c'est qu'elle est révélatrice des changements intervenus de décennie en décennie dans la mode et le style de vie. De l'Art déco à l'éclectisme actuel en passant par l'élégance hollywoodienne des années 1950 et le style pop et graphique des Swinging Sixties, les foulards n'ont en effet cessé d'exprimer les styles en vogue et de se faire l'écho des mouvements artistiques majeurs. Cet ouvrage présente plus de 250 créations dues à des artistes, des créateurs textiles et des grands noms de la mode tels que Paul Poiret et Raoul Dufy, Jacqmar, Vera, Elsa Schiaparelli, Mary Quant, Gucci, Hermès ou Georgina von Etzdorf. Il propose une analyse du rôle de cet accessoire dans un contexte d'histoire sociale, et plus particulièrement dans le domaine de la publicité et du tourisme. Riche source d'inspiration pour les créateurs et les amoureux de la mode, Foulards et carrés de soie constitue en outre un très précieux ouvrage de référence pour les collectionneurs. Il révèle de manière splendide la richesse créative d'un objet de mode qui n'est autre qu'un véritable médium artistique.
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