Best known for her work documenting the political upheaval in Central America during the 1970s and '80s, American photographer Susan Meiselas has been at the forefront of ethical debates around documentary photography for most of her career. Through close engagement with subjects such as war and exploitation, she has interrogated her own relationship to what she's photographing, the circulation and dissemination of these images, and the pivotal questions around social and cultural representation and memory. Her influential contribution to the way audiences approach and engage with photography is as vital and resonant today as it was forty years ago.
The perfect primer on acclaimed French artist Sophie Calle.
Sophie Calle is a French writer, photographer, installation artist and conceptual artist. Her work is distinguished by its use of arbitrary sets of constraints, and frequently depicts human vulnerability, and examines identity and intimacy. She is renowned for her detective-like ability to follow strangers and investigate their private lives, which she has deployed in her acclaimed works Suite Venitienne, The Hotel and Address Book. She has had major exhibitions all over the world, including at the 2007 Venice Biennale, the Whitechapel Gallery in London, and the Louisiana Museum of Modern Art in Denmark, and has worked closely with the writer Paul Auster. The Guardian called her 'the Marcel Duchamp of dirty laundry', and she was among the names in Blake Gopnik's list 'The 10 Most Important Artists of Today', with Gopnik arguing, 'It is the unartiness of Calle's work - its refusal to fit any of the standard pigeonholes, or over anyone's sofa - that makes it deserve space in museums.'
Cet ouvrage richement illustré est le catalogue officiel en français de l'exposition David Hockney 25 (du 9 avril au 1er septembre) à la fondation Louis Vuitton. Cette présentation exceptionnelle de plus de 400 oeuvres de 1955 à 2025 se concentre donc sur les 25 dernières années de création du grand artiste. Elle s'appuye sur un ensemble majeur provenant de l'atelier de l'artiste et de sa fondation, des prêts de collections internationales, institutionnelles ou privées. L'exposition réunira des créations réalisées avec les techniques les plus variées - des peintures à l'huile ou à l'acrylique, des dessins à l'encre, au crayon et au fusain, mais aussi des oeuvres numériques (dessins photographiques, à l'ordinateur, sur iPhone et sur iPad) et des installations vidéo.
Les archives sont toujours des machines à remonter le temps. En plus de nous inviter à un voyage dans le temps, celles de Wes Anderson nous font traverser divers niveaux d'histoires et diverses expériences de la narration - sur le papier comme à l'écran. Ce livre s'immerge dans toutes ces histoires pour rendre hommage à plus de trente ans de cinéma andersonien.
« Parfois, le film nous connaît mieux que nous nous connaissons nous-même ; on révèle son point de vue sur le monde sans avoir eu l'intention de le faire. » - Wes Anderson
Depuis ses débuts, Wes Anderson conserve une riche documentation : carnets, dessins, peintures, Polaroïds, accessoires, marionnettes, décors et costumes de ses films... Les objets montrés ici sont enrichis et éclairés par les collaborateurs de longue date d'Anderson : Owen Wilson, Scarlett Johansson, Jason Schwartzman et Tilda Swinton ; le compositeur Alexandre Desplat, le musicien Seu Jorge et le superviseur musical Randall Poster. L'ouvrage contient aussi un entretien approfondi avec Wes Anderson, dans lequel le réalisateur revient sur ses films et ses méthodes de travail.
Wes Anderson : Les Archives accompagne la première rétrospective de l'oeuvre du cinéaste, proposée par la Cinémathèque française de Paris et le Design Museum de Londres en partenariat avec Wes Anderson.
Édité par Johanna Agerman Ross, Matthieu Orléan et Lucia Savi.
Handsome and collectible, the books are produced to the highest standards. Each volume contains full-page reproductions printed in superb duotone, together with a critical introduction and a full bibliography. Now back in print, the series was awarded the first annual prize for distinguished photographic books by the International Center of Photography.
Born in Czechoslovakia in 1938, Koudelka left the country in 1968 and was awarded asylum in England. He had already produced two first-class reportages, one on the Prague Spring and its aftermath and the other on gypsy communities in Romania. This book confirms and illustrates Koudelka's powerful gift for exposing conditions in the European social, political, and physical landscape.
An appreciation of the life and art of Tove Jansson, creator of the Moomin books, which are adored by children and adults across the globe.
This book provides fresh insights and a deeper appreciation of the life and art of Tove Jansson (1914-2001), one of the most original, influential and perennially enjoyed illustrators of the 20th century. Jansson's flourishing Moomin books are examined in detail, as are her interpretations of such classics as Lewis Carroll's Alice's Adventures in Wonderland and The Hunting of the Snark, and J.R.R. Tolkien's The Hobbit.
Born in Helsinki among the Swedish-speaking Finnish minority, Jansson was brought up with a love for making art and stories in a supportive artistic family. Her first illustrated tales were published when she was fourteen years old. From a year later until 1953, she drew humorous and political cartoons as well as striking front covers for the satirical magazine Garm, responding to the Second World War and its aftermath as she developed from art student to painter and muralist, bohemian and lesbian. This book also explores the emergence of her Moomin world, appearing in her first children's book in 1945 and then in newspaper strips. These would lead to her being headhunted by the London Evening News, the world's biggest-selling evening paper, to write and draw a daily Moomin newspaper cartoon. This body of work is one of her great achievements, expanding her stories, settings and cast and invigorating her drawing and writing. Jansson also wrote many novels, documented here along with personal commentaries from her own writings.
This revised edition of Sarah Moon is one of two new books this season in Thames & Hudsons acclaimed Photofile series. Each book brings together the best work of the worlds greatest photographers in an attractive format and at an easily affordable price. Hailed by The Times as finely produced, the books are printed to the highest standards. Each one contains some sixty full-page reproductions, together with a critical introduction and a full bibliography.
Dans cette rétrospective définitive, une riche collection des oeuvres célébrées de Dennis Morris, photographe britannique, est réunie pour la première fois. Depuis ses premiers projets documentaires explorant la race et l'identité dans la Grande-Bretagne des années 1970 jusqu'à ses portraits emblématiques de légendes de la musique, le livre inclut également des images inédites qui insufflent une nouvelle vitalité au récit visuel déjà remarquable de Morris. Né en Jamaïque, Morris arrive en Angleterre à l'âge de cinq ans et rejoint, à neuf ans, le club photo de son église locale à Dalston, ce qui déclenchera sa passion pour la photographie. À seulement 11 ans, une de ses photographies d'une manifestation londonienne fait la une du Daily Mirror. Durant son adolescence, Morris fait l'école buissonnière pour attendre Bob Marley avant une balance au Speakeasy Club de Londres; Marley invite alors le jeune photographe à le suivre durant toute sa tournée pour prendre des photos, marquant le début d'une amitié durable. Morris devient ensuite le photographe officiel des Sex Pistols, et ses aventures dans le reggae et le punk des années 1970 posent les bases d'une carrière de plusieurs décennies dans la photographie, la direction artistique, le design et la musique.
Avec des contributions écrites de Stuart Hall, Sean O'Hagan, Simon Baker et Shoair Mavlian, ce livre se divise en deux parties complémentaires : vie et musique. La première met en lumière l'exploration par Morris des questions de race, de culture et d'identité dans la Grande-Bretagne des années 1970, tandis que la seconde célèbre ses collaborations avec des légendes de la musique telles que Lee Scratch Perry, Gregory Isaacs, Marianne Faithfull, Patti Smith, Grace Jones, les Stone Roses, Oasis, et bien d'autres.
Le livre accompagne une exposition à la MEP - Maison Européenne de la Photographie, Paris, du 5 février au 18 mai 2025, puis à The Photographers' Gallery, Londres, du 27 juin au 21 septembre 2025.
Paru en 1971 dans ArtNews, "Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? " a fait date dans l'histoire de l'art. Largement reconnue comme la première historienne de l'art féministe, Linda Nochlin démantèle la notion de génie artistique codée par les hommes et dévoile les structures institutionnelles et sociales qui ont tenu les femmes à l'écart des carrières artistiques pendant des siècles.
Elle consacre ensuite une longue étude à la figure de l'artiste Rosa Bonheur et sa place dans la société. Rédigé il y a plus de trente ans mais toujours très actuel, ce texte a été publié pour la première fois en français en 1993 au sein du recueil désormais épuisé Femmes, Art et Pouvoir (éd. Jacqueline Chambon). Il fait ici l'objet d'une nouvelle traduction. En français, le titre de l'ouvrage a toujours été traduit au masculin, puisque le recours à l'idée de grandeur dans l'histoire de l'art a systématiquement été formulé par des hommes, sur des hommes.
De fait, le féminin en a été purement et simplement exclu. Pour cette édition, ce livre est accompagné d'un appendice de Linda Nochlin appelé "Trente ans plus tard", où elle commente l'émergence de nouvelles artistes, notamment Joan Mitchell, Louise Bourgeois et Cindy Sherman.
Des terriers et des bunkers secrets sous nos pieds aux paysages infernaux imaginaires jusqu'aux rêveries surréalistes, ce deuxième opus qui fait suite à l'ouvrage à succès La Danse Cosmique (Thames & Hudson, 2022) propose des images à la fois déroutantes et fascinantes sur les profondeurs réelles et imaginaires et sur les méandres subconscients de l'âme humaine.Une introduction de Stephen Ellcock ainsi que des textes en ouverture de chaque chapitre tissent une toile de connexions entre les différents groupes d'images. Au fil de la lecture, les grands thèmes se dessinent : les visuels sont éclairés par des textes accessibles qui leur apportent un contexte historique et iconographique. Des citations issues de la littérature, de la philosophie et des rituels ésotériques complètent le corpus d'images. Ensemble, ils mettent en évidence l'interaction entre le réel et l'imaginaire, révélant l'influence mutuelle de ces deux aspects de l'existence humaine : comment le réel peut alimenter nos peurs et nos espoirs les plus profonds et en miroir, comment notre psyché nourrit sans cesse l'imaginaire de l'inconnu et des ténèbres.
Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.
Rapport à la couleur, outils numériques, redécouverte du paysage, ce joli petit volume en français permet d'aborder le travail de David Hockney avec les mots de l'artiste.
Trente ans après la mort de l'artiste Derek Jarman, cet ouvrage, faisant suite à l'ouvrage sur son jardin, permet pour la première fois d'entrer dans Prospect Cottage, qui était à la fois sa dernière demeure et l'incarnation de sa vision du monde. Alors que le jardin de Prospect Cottage à Dungeness est très visité et largement présenté, la maison est longtemps restée fermée aux visiteurs. Après la mort de Derek Jarman, Prospect Cottage est passé à son partenaire Keith Collins, qui n'a changé qu'une seule chose : y installer des rideaux pour empêcher les visiteurs du jardin de regarder. Lorsque Keith Collins est décédé soudainement en 2018, McCarragher, un ami et voisin de Dungeness, a été invité à photographier la maison. Grâce à ces images, accompagnées ici d'un texte de Mccarragher et d'un avant-propos de Didier Lestrade qui fit connaître Derek Jarman en France, nous sommes enfin autorisés à ouvrir la porte et à décvouvrir, pièce après pièce, un monde jusque-là intact, invisible, lui-même un testament artistique.
"One advantage I think is my design sense. When you're drawing, every element, every line, makes up what it is; and there is a feeling of that when I think about a shot." - Tim Burton
Tim Burton is the creative force behind some of the most celebrated films of the last four decades. He is internationally recognised as a master of the comically grotesque and the endearingly misfit. The World of Tim Burton will invite visitors into his world through an exploration of the design of his unique aesthetic. While most well-known for his cinematic work, this show will display the full extent of his production as an illustrator, painter, photographer, and author, as well as exploring some of the key collaborations that have helped shape his world. As a multi-disciplinary artist, his creations extend beyond the limits of mediums and formats. Drawn from Tim Burton's personal archive and representing the artist's creative output from childhood to the present day, this exhibition of drawings, paintings, photographs, sketchbooks, props, sculptural installations, storyboards and set design focuses on the recurrent visual themes and motifs found in the distinctive characters and worlds found in Burton's art and films.
This book will be the official catalogue for the exhibition, as well as the first publication to explore the relationship between Tim Burton's artistic creations and the world of design. The reader will be invited into an examination of what is now broadly referred to as the 'Burtonesque', exploring his iconic style and the impact his unique design aesthetic has on broader visual culture. The catalogue will unpack Tim Burton's distinctive visual language, exploring the intersection of gothic, carnivalesque and fantastical elements that define his cinematic masterpieces. Insightful essays by design experts and film critics, interspersed with images featured in the exhibition, will offer a deeper understanding of the director's creative process, making this catalogue an homage to the role that design practice plays in the hauntingly beautiful worlds he creates.
Réimpression pour cette série emblématique de Charles Fréger : chaque année, dans toute l'Europe, des hommes, le temps d'une mascarade séculaire, entrent littéralement dans la peau du «sauvage». Le photographe saisit ces hommes sauvages devenus ours, chèvre, cerf ou sanglier, homme de paille, diable ou monstre aux mâchoires d'acier. Il sublime ainsi cette suspension provisoire de la normalité et révèle une tradition méconnue d'une étonnante richesse.
