Pourquoi tant de petites filles veulent-elles devenir danseuse ? Que signifie danser ? Est-ce célébrer la vie ? Partager son idée de la beauté ? Rechercher, dans ses ressorts les plus intimes, ce que peut et ce que veut notre corps ?

Toutes ces questions, j'ai eu la chance de pouvoir les poser à Anne Teresa De Keersmaeker qui, pendant deux ans, m'a ouvert ses répétitions, ses archives et donné de son temps pour expliquer comment elle travaille, pourquoi elle travaille et comment ce travail la rend heureuse et lumineuse.

L. A.

500 ans d'histoire du Ballet dans un ouvrage visuel et familial : - les oeuvres classiques (Giselle, Le Lac des cygnes...) comme les créations plus contemporaines (Chroma...), résumées et analysées ; - les grandes périodes, les techniques et expressions emblématiques ; - les portraits de chorégraphes, compositeurs, danseurs et danseuses internationaux (de Pierre Beauchamp à Akram Khan en passant par Marius Petipa, Martha Graham et Sylvie Guillem) ; - les grandes compagnies et les lieux de danse incontournables dans le monde.

Juin 1942. Jean Genet est incarcéré à la prison de Fresnes, condamné à huit mois de réclusion pour vol de livres. À trente et un ans, le détenu n'a encore rien publié ; mais la cellule est un lieu propice à l'éclosion de son talent littéraire. Il y écrit son premier roman, Notre-Dame-des-Fleurs, et le long poème Le Condamné à mort. L'attrait du théâtre se fait déjà sentir, comme en témoigne Héliogabale, ce drame à l'antique dont un manuscrit a été enfin retrouvé à la Houghton Library. L'existence de cette pièce était attestée, Genet l'ayant fait lire à quelques proches et ayant exprimé le souhait qu'elle soit publiée et créée - avec Jean Marais dans le rôle-titre. Rien de cela n'eut lieu et l'écrivain n'y revint plus. Voilà donc, plus de quatre-vingts ans plus tard, la mise en scène des dernières heures d'Héliogabale, jeune prince romain assassiné, telles que Genet les a rêvées et méditées. Au travers de cette figure solaire, hautement transgressive et sacrificielle, à laquelle Antonin Artaud avait consacré un essai flamboyant en 1934, Genet aborde les thèmes qui lui sont chers, dans les règles de l'art mais en laissant affleurer un lyrisme bien tenu : le travestissement et l'homosexualité, la sainteté par la déchéance, la beauté par l'abjection. Un envers du monde social où l'auteur, apprenti dramaturge, entend déjà trouver ses vérités, situer son oeuvre à venir et inventer sa propre légende. Lire la suite Fermer

Le temps de l'indépendance du Congo est arrivé. Patrice Lumumba, homme politique et poète visionnaire, va tenter de rendre à son peuple une liberté depuis longtemps perdue. Mais la jalousie, la corruption et la quête du pouvoir sont des murailles difficiles à franchir. À travers le destin d'un homme, c'est toute l'histoire du continent qui se joue de manière exemplaire et symbolique dans cette pièce de théâtre.

- 20 chorégraphes phares
- Renouer les fils avec le passé
- Changer sa façon de voir
- La danse contemporaine, quel intérêt ?
- La danse contemporaine, c'est quoi?
- Retenir quelques dates repères
- Les Maîtres à danser
- Connaître les mots clés
- Comment approcher la danse
contemporaine ?

« La nuit était nue comme au premier jour,
au fond de la tache noire du jardin perdu
comme une griffe qui se referme. »

Réunissant des poèmes de chacun des recueils de Jean Cayrol, ce volume offre une vision complète de son oeuvre. Celle d'un homme marqué par la terrible expérience des camps et qui était porté par l'« étrange privilège d'être né deux fois ». La poésie de Cayrol témoigne de ces temps de souffrance, mais s'en arrache aussi dans une espérance inouïe et contagieuse. Ces textes, écrits entre 1935 et 2000, nous sont proches. Infiniment.

Vieux comme le monde, l'art de la danse touche à l'enchantement du sensible, à l'essence du divin, au surnaturel, au Mystère, aux forces de la Nature et à notre nature. La danse est énergie, flamme et souffle, séduction et possession, extase et ravissement... Selon le lieu où elle s'exprime, l'endroit d'où on la regarde, qu'elle soit folklorique ou traditionnelle, classique ou contemporaine, la danse a mille visages. Elle est le fruit de métissages, prend des formes variées, répond à de multiples fonctions. Du ballet classique au bal populaire, du menuet aux Ballets russes, des entrechats aux recherches chorégraphiques les plus avant-gardistes, balade en compagnie de Mme de La Fayette, Molière, Gustave Flaubert, Karen Blixen, Thomas Mann, Yasunari Kawabata, Marie Nimier, Colum McCann, Eduardo Manet, Margaret Mitchell, Nijinski, Martha Graham, Pina Bausch, Merce Cunningham, et bien d'autres. Lire la suite Fermer

Cette autobiographie, écrite en 1908, se construit en une succession de tableaux intimistes, mondains ou comiques, qui relatent le surprenant parcours et les nombreuses rencontres de l'une des reines de la Belle Époque, Loïe Fuller. Créatrice de la danse Serpentine, par ses gestes hypnotiques, ses jeux de voiles et de lumières, Loïe Fuller fascina Toulouse-Lautrec, Nadar, Méliès, Rodin, les frères Lumière ou Mallarmé et devint l'égérie des symbolistes. Cette Aladine occidentale, adulée aux quatre coins du monde, fut aussi une féministe avant l'heure. Cette autobiographie, précédée d'une préface de Giovanni Lista, s'achève sur un cahier de vingt-neuf illustrations et cinq textes théoriques inédits de Loïe Fuller. Cette édition revue et augmentée s'accompagne d'une postface de Claudia Palazzolo.

« Être danseur, c'est passer beaucoup de temps devant le miroir. Comment ne pas m'interroger à chaque spectacle sur mon rôle ? Comment dois-je l'habiter, l'interpréter et le danser devant un public d'aujourd'hui ?
J'ai décidé de me raconter tel que je suis, pour être capable ensuite de m'adresser à ceux qu'on ne représente hélas jamais. Le chemin va être long, mais je ne me retournerai pas. Je dois accepter celui que j'étais hier et que je suis toujours, étoile ou pas. Le titre n'y change rien. »
Le 28 décembre 2016, Germain Louvet est consacré danseur étoile à l'issue d'une représentation du Lac des cygnes. Investi d'une exigence d'excellence depuis son admission à l'école de danse de l'Opéra de Paris à l'âge de douze ans, il raconte sa passion, convoque les oeuvres qui le portent, celles qui lui résistent.
Mais sur scène comme en coulisses, le danseur étoile essaie de bousculer l'ordre établi du milieu de la danse. Germain Louvet fait porter sa voix en faveur de davantage de diversité, remet en cause les codes inculqués, questionne les stéréotypes des corps, et interroge sa pratique jusqu'à renverser l'idée de vocation.
Ce récit est celui d'un artiste engagé, pour qui toutes les choses qui se dansent sont un cri. Lire la suite Fermer

Fondé par Ariane Mnouchkine il y a soixante ans, le Théâtre du Soleil marque l'époque par sa longévité, son parcours exemplaire et la renommée mondiale de ses spectacles. Béatrice Picon-Vallin, accompagnée de voix du Soleil, raconte l'épopée d'un théâtre qui se distingue, au-delà de la qualité de ses créations artistiques, par l'originalité de son fonctionnement, ses méthodes de travail et son rapport au monde.

Transformer le théâtre, c'est aussi révolutionner notre vie. Publié en 1938, alors qu'il vient d'être interné, «Le Théâtre et son double» est un recueil de conférences, articles et lettres dans lequel Artaud entend "briser le langage pour toucher la vie". Il y développe notamment, en deux célèbres manifestes, son concept de "théâtre de la cruauté". Il y défend la dimension sacrée du théâtre, la prééminence du langage du corps sur le texte, et accorde au metteur en scène ("maître de cérémonies sacrées") plus d'importance qu'à l'auteur. Il y montre aussi que le théâtre est comme une seconde réalité, une "réalité virtuelle". Cette édition est complétée par un avant-propos de l'éditeur, ainsi qu'un dossier sur la réception de l'oeuvre, une synthèse biographique, la bibliographie des livres d'Artaud et quelques pistes de lecture
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Rétrospective du travail de l'artiste durant les années 2010 et 2020, à travers ses installations emblématiques et ses spectacles qui font écho à son histoire intime, sociale et politique

Avec Israel Galvan, la danse flamenca s'engage sur le terrain de la performance conçue comme processus expérimental. Elle devient une "proposition", "une création en acte". Depuis 1998, avec le spectacle "¡ Mira ! Los zapatos rojos," le solo s'impose à Israel Galvan comme une nécessité d'être devant l'héritage flamenco qu'il porte en lui. Une nouvelle édition avec un chapitre additionnel et une mise à jour des 15 dernières années.

Avec L'Après-midi d'un faune, chorégraphié par Vaslav Nijinski en 1912, tout semble clair, connu, limpide. Ces plus ou moins dix minutes d'oeuvre dansée sont parmi celles sur lesquelles le doute est le moins permis dans tout le répertoire. Et pourtant, parce que Nijinski fut un mythe absolu de la danse et parce que les Ballets russes ne cessent de fasciner, que d'histoires, voire de légendes.

Et puis cette question : puisque cette oeuvre est si bien connue, pourquoi la recréer?? C'est donc un chorégraphe qui mène l'enquête et qui éclaire les nombreux fils culturels menant à ce ballet.

L'ouvrage met en lumière les relations tissées entre danse et dessin, en abordant les pratiques graphiques de danseurs et de chorégraphes. Des carnets de répétition aux partitions grand format, des dessins de maîtres de ballet aux expériences personnelles de notation, le catalogue interroge la manière dont le dessin peut être constitutif d'une pratique chorégraphique, dans un processus de création, de transmission à des danseurs, dans une démarche de diffusion, voire de préservation.
Tous les types de danse sont pris en compte, qu'il s'agisse de pratique professionnelle ou amateur : le ballet, la danse contemporaine, les danses de société, les danses régionales... le tout sur un temps long, du siècle de Louis XIV à nos jours.
Alors qu'il n'existe pas un unique système de notation en danse et que la transmission reste avant tout une transmission orale et somatique, d'un corps à un autre, dessin et pratiques graphiques ont pu s'épanouir avec une grande liberté : de l'invention d'une pluralité de systèmes de notation à des expériences plus individuelles de dessin et de partitions, l'ouvrage présente ces ancrages matériels de la création chorégraphique, avec une attention particulière à la conjonction du geste et du crayon. Lire la suite Fermer

Quelle réponse un maître peut-il apporter aux questions de son disciple ? Dans un échange épistolaire imaginaire avec un jeune homme qui souhaite consacrer sa vie à la danse, Maurice Béjart, l'un des chorégraphes majeurs de la seconde moitié du xxe siècle, exprime sa quête d'universalité et d'unicité de Dieu. Ces "lettres à un jeune danseur" sont un parcours initiatique fécondé par de nombreuses traditions religieuses et spirituelles, qui ont été au centre de la réflexion de Maurice Béjart tout au long de son existence.

Le chant n'est que mouvement.
Anatomie du chant, la méthode Adeline Toniutti repose sur 5 points pivots incontournables. Ces 5 points pivots constituent la checklist vitale et indispensable du chanteur. Appliquez-les et faites basculer vos mauvaises habitudes vocales du bon côté.

Cette méthode est illustrée par 70 dessins revus, corrigés et commentés par 26 spécialistes de la voix et du corps (chirurgiens ORL, phoniatres, orthophonistes, kinésithérapeutes, etc.) réunis de manière exceptionnelle pour faire comprendre à tous les ressorts de la voix. Adeline Toniutti révèle ses secrets à travers de nombreux conseils et exercices pratiques, dont ses fameuses vocalises.

La combinaison des 5 points pivots et l'apport des spécialistes confèrent à cette méthode un caractère inédit et puissant. Un livre de référence dans la compréhension de la technique vocale, qui va aider le plus novice de tous à performer comme le plus confirmé à se dépasser.

Soigner sa posture - Déclencher le bon mouvement laryngé - Dompter l'expiration - Agir sur les résonateurs - Articuler les voyelles et les consonnes Lire la suite Fermer

A' la mort de leur pe're, Nicole et Philipp se retrouvent pour vider
la maison familiale. Dans le grenier, ils découvrent un tableau
signé « A. Hitler » - catalyseur de la mise au jour des secrets de famille. Quand une experte en art nazi arrive et déclare que c'est un authentique tableau du Fuhrer à mettre aux enche'res, les camps se divisent : d'un co^té, Judith, la femme du fre're horrifiée qu'ils puissent spéculer sur une oeuvre d'art nazi, en face, une famille se réjouissant de cette source d'argent inespérée.
Au fil de répliques cinglantes et d'échanges acerbes sur le legs du nazisme ou sur la question tant débattue de la frustration d'Hitler concernant les arts plastiques, se rejoue l'implacable question de
la conscience allemande apre's-guerre et ses déme^lées avec le passé nazi, de l'indélébile « sentiment de culpabilité » au déni, et les résurgences terrifiantes d'un antisémitisme latent. Une pie'ce au vitriol sur la conscience de l'Histoire, mettant en perspective ce « passé qui ne passe pas », pour reprendre l'expression de l'historien et philosophe allemand Ernst Nolte, de nos jours si prégnante. Lire la suite Fermer

Fernando López Rodríguez retrace l'évolution de l'histoire du flamenco depuis 1850, d'un point de vue politique, social et économique, et sa réception en France. Un art né garçon avec pour ancêtre le tablao du temps du café chantant, jusqu'à la naissance de l'opéra flamenca et ses croisements avec la danse contemporaine. Il éclaire la question du genre, la féminisation de cet art, et la double normativité à l'oeuvre, tentant de dépasser un pur binarisme au profil d'une esthétique du travestissement, dans la rue et au théâtre. Le flamenco queer ou une révolution intersectionnelle pour une abolition des représentations esthétiques et des sexualités normatives ?

La danse représente un réel défi pour les historiens. Art de l'éphémère, elle ne laisse dans son sillage que des traces très partielles une fois évanouie, et continue souvent à être oubliée dans les récits de l'histoire de l'art. Afin de combler ce manque, Laura Cappelle a réuni vingt-sept des meilleurs spécialistes internationaux de la danse occidentale, dont les travaux mettent en avant sur la longue durée, depuis la Préhistoire jusqu'à nos jours, une multiplicité de techniques et de pratiques.

Des premiers indices de transes dansées à la libération moderne du corps, des ballets de la Renaissance à la création chorégraphique actuelle, cet ouvrage décrypte le mouvement à la lumière des dynamiques sociales, culturelles et artistiques qui l'ont façonné en Occident. La danse y est contemporaine, classique, apollinienne, dionysiaque, politique, esthétique, populaire ; de la ville à la scène, elle brouille les frontières et revendique aussi bien l'élévation que l'ancrage au sol, la virtuosité que le dépouillement.

Projet essentiel pour que les fruits de la recherche nourrissent la culture générale de la danse ainsi que la compréhension des oeuvres et des pratiques aujourd'hui, cette traversée de l'histoire s'adresse à tous les publics.
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En plus de 40 ans, Utt contribua à accoutumer le public occidental au butô. Pourtant ses mystères demeurent. Kô Murobushi a chorégraphié ce solo pour et avec Carlotta Ikeda, mais ses fins autant que son évolution expriment d'autres réalités, plus profondes encore.

Il y a le butô, cette forme extrême de la modernité japonaise. Ce mode de danse refusant de poser toute définition et qui procède beaucoup plus d'un questionnement que de l'application de recettes. Alors, à explorer ce solo et la pratique qui l'a généré, apparaissent des pans de l'histoire du Japon, de l'histoire de la danse et des regards croisés entre les cultures.

La danse est l'écho vibrant du monde, de l'histoire et des sociétés. Du classique à la danse contemporaine, le territoire des esthétiques est vaste. Ainsi, les décennies 1960-1970 ont vu émerger des danses aux influences multiples.
Le hip-hop, notamment, se réapproprie différentes formes d'art pour exister dans des sociétés très codifiées. Mais encore le voguing et le waacking qui rendent ostensibles les sentiments des minorités. Dans les années 2000, le krump laisse entendre, à son tour, le cri d'une jeunesse oubliée. La danse électro, quant à elle, 100 % française, essaime son esthétique du clubbing dans le monde.

Ce livre montre la danse comme un art résolument vivant, en évolution permanente, un phénomène social.

Il fait le portrait de 30 artisans du mouvement, qui font la danse d'aujourd'hui et de demain.
Laura Arend - Mehdi Baki - Marion Barbeau - Camille Bon - Mellina Boubetra - Grichka Caruge - Paula Comitre - Dexter - Carlota Dudek - Johanna Faye - Jade Fehlmann - Jann Gallois - Fauve Hautot - Nicolas Huchard - Edouard Hue - Leïla Ka - Mehdi Kerkouche - Pablo Legasa - Germain Louvet - Josepha Madoki - Antonin Monié - Yanis Marshall - Brandon Masele - Matteo Masson - Nach - Laura Nala - Arthur Perole - Amalia Salle - Noé Soulier - Léo Walk Lire la suite Fermer

Saisissant avec brio la fugacité, l'harmonie et l'énergie du mouvement, ce projet photographique inédit immortalise la grâce de plus de 70 danseurs exceptionnels, membres des compagnies les plus réputées.

Enrichie du témoignage inspirant d'un danseur, chorégraphe ou directeur artistique, chaque photographie révèle le pouvoir de la danse et nous plonge dans l'intimité de ces artistes d'exception, pour en comprendre le parcours et le travail, et en saisir les plus belles poses. Chaque portrait dévoile une impressionnante sensation de mouvement et de vitalité, alliant l'évanescente beauté de la danse et l'instantané photographique. Nul ne serait surpris de voir, au cours d'un instant, ces artistes se mettre à danser.