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Fage
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Nouv.
Le nouveau titre de la nouvelle collection
Paroles d'artistes au pluriel, Paroles d'artistes Art brut
paraît à l'occasion de l'exposition d'art brut du 6 juin au
21 septembre au Grand Palais en partenariat avec le
Centre Pompidou et mettant en lumière plus de 300
oeuvres issues de la donation de Bruno Decharme.
Avec 54 reproductions d'oeuvres et des citations
d'artistes, cet ouvrage offre un parcours qui ne laisse pas
indemne. L'art brut interroge la définition de l'art, ses
liens avec la culture et plus largement avec la société et
ses marges. Ce livre s'adresse aux esprits frondeurs. -
Suzanne Valadon (Bessines-sur-Gartempe, 1865-Paris, 1938), est une artiste peintre aujourd'hui mondialement reconnue. Ses oeuvres sont représentées dans de nombreuses collections publiques en France et à l'étranger.
« La nature a une emprise totale sur moi, les arbres, le ciel, l'eau et les êtres, me charment passionnément, profondément. Ce sont les formes, les couleurs, les mouvements, qui m'ont fait peindre, pour essayer, avec amour et ferveur, de rendre ce que j'aime tant. » -
Louis-Eugène Boudin est né à Honfleur le 12 juillet 1824 et mort à Deauville le 8 août 1898. Il est l'un des premiers peintres français du XIX? siècle à peindre les paysages à l'extérieur d'un atelier. Grand peintre de marines, il est considéré comme l'un des précurseurs de l'impressionnisme.
« Nager en plein ciel. Arriver aux tendresses du nuage. Suspendre ces masses au fond, bien lointaines dans la brume grise, faire éclater l'azur. Je sens tout cela venir, poindre dans mes intentions. Quelle jouissance et quel tourment ! Si le fond était tranquille, peut-être n'arriverais-je pas à ces profondeurs. A-t-on fait mieux jadis ? Les Hollandais arrivaient-ils à cette poésie du nuage que je cherche ? À ces tendresses du ciel qui vont jusqu'à l'admiration, jusqu'à l'adoration : ce n'est pas exagérer. » -
Nouv.
« Le seul maître, c'est la nature. »
Séraphine Louis (1864-1942) dite aussi Séraphine de Senlis, est une artiste peintre française dont l'oeuvre est rattachée à l'art naïf et à l'art brut.
Quatrième enfant d'un couple modeste, orpheline à sept ans, Séraphine Louis est domestique de 1881 à 1901 au couvent de la Charité de la Providence à Clermont-de-l'Oise. Séraphine en conserve une empreinte religieuse forte, de la Vierge surtout qui lui aurait inspiré sa vocation d'artiste. Sa présence à Senlis est attestée à partir de 1906. En 1912, le collectionneur et critique d'art Wilhelm Uhde, installé à Senlis, la prend pour femme de ménage. Il découvre que Séraphine peint. La guerre les sépare. Le 31 janvier 1932, Séraphine est internée à l'hôpital psychiatrique de Clermont-de-l'Oise, à la suite d'une crise de folie. Séraphine cesse de peindre et écrit de nombreuses lettres pour se plaindre car elle souffre d'un sentiment de persécution. -
Nouv.
Gaston Chaissac (Avallon, 1910 - La Roche-sur-Yon, 1964) est un artiste français.
Paroles d'artiste est une collection de format poche pour découvrir ou redécouvrir les grands maître de l'art ancien, moderne et contemporain.
Cette série d'ouvrages monographiques permet d'envisager l'univers d'un artiste à travers une sélection de trente reproductions représentatives de l'ensemble de son oeuvre. Chaque reproduction est associée à une citation extraite d'un entretien, d'une correspondance ou d'un écrit de l'artiste lui-même.
Afin de rendre accessible cette collection aux très nombreux visiteurs étrangers de nos musées et collections publiques françaises, Paroles d'artiste est bilingue anglais-français.
En 64 pages, 31 reproductions et pour seulement 6,50 €, le lecteur se retrouve immergé dans l'esprit et l'oeuvre de Gaston Chaissac.
L'oeuvre de Gaston Chaissac est présente dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Lausanne, musée de l'Art Brut - Les Sables d'Olonne, musée de l'Abbaye Sainte-Croix - Nantes, musée des Beaux-Arts - Paris, musée national d'Art moderne, centre Pompidou
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« Nous refusons d'accepter l'existence des objets immobiles et les instantanés d'un mouvement, parce que nous ne sommes nous-mêmes qu'un instant dans le grand mouvement. »
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Henri Matisse (Cateau-Cambrésis, 1869 - Nice, 1954) est un peintre, dessinateur, graveur et sculpteur français.
Paroles d'artiste est une collection de format poche pour découvrir ou redécouvrir les grands maître de l'art ancien, moderne et contemporain.
Cette série d'ouvrages monographiques permet d'envisager l'univers d'un artiste à travers une sélection de trente reproductions représentatives de l'ensemble de son oeuvre. Chaque reproduction est associée à une citation extraite d'un entretien, d'une correspondance ou d'un écrit de l'artiste lui-même.
Afin de rendre accessible cette collection aux très nombreux visiteurs étrangers de nos musées et collections publiques françaises, Paroles d'artiste est bilingue anglais-français.
En 64 pages, 31 reproductions et pour seulement 6,50 €, le lecteur se retrouve immergé dans l'esprit et l'oeuvre de Henri Matisse.
L'oeuvre de Henri Matisse est représenté dans de nombreux musées français et étrangers, et plus particulièrement :
- Cateau-Cambrésis, musée Matisse - Grenoble, musée de Grenoble - Nice, musée Matisse - Paris, musée national d'Art moderne, centre Pompidou - Paris, musée d'Art moderne de la Ville de Paris
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Paroles d'artistes surréalistes
Collectif
- Éditions Fage
- Paroles D'artiste
- 30 Août 2024
- 9782849757819
Des citations d'artistes surréalistes tels que Hans Arp, Brassaï, André Breton, Leonora Carrington, André Breton, Salvador Dali, René Magrtitte ou Man Ray offrent un parcours au sein de ce mouvement poétique et artistique né dans le sillage de Dada vers 1919. Elles sont accompagnées de 54 reproductions d'oeuvres qui illustrent les propos.
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Germaine Richier le christ interdit : chronologie d'un scandale
Laurence Durieu
- Éditions Fage
- 25 Avril 2025
- 9782849757864
Unique femme exposée au MoMA, à New York, en 1959, parmi 23 noms dont Bacon, Dubuffet, Giacometti ou Pollock, première artiste à être célébrée de son vivant par le monde littéraire, et en 1956, au musée national d'Art moderne de Paris, Germaine Richier est aussi une pionnière dans l'histoire de l'art sacré.
En 1950, des prêtres, pour qui « mieux vaut des génies sans la foi que des croyants sans talent », lui commandent le Christ de l'église du Plateau d'Assy, en Haute-Savoie, leur réalisation étant jusqu'alors confiée à des hommes.
Mais une violente cabale soutenue par le Vatican qui le juge blasphématoire, s'abat sur l'oeuvre, déclenchant un scandale international. Banni par le pape, le Christ de Germaine Richier entame une errance qui durera dix-huit années. -
Giacometti / Halilaj : Nous construisions un fantastique palais la nuit...
Petrit Halilaj, Hugo Daniel
- Éditions Fage
- Institut Giacometti
- 21 Mars 2025
- 9782849758038
« Nous construisions un fantastique palais la nuit... » met en dialogue les oeuvres du plasticien contemporain Petrit Halilaj et celles d'Alberto Giacometti. Marqué par son enfance dans un Kosovo en guerre, Halilaj a placé le dessin d'enfant au coeur de sa pratique. Les histoires individuelles et collectives s'y lient pour ouvrir des espaces de liberté.
En 1932, Giacometti copie un dessin d'enfants vu sur un trottoir de son quartier. À partir de ce dessin, Halilaj noue un dialogue fin en révélant toute l'importance du thème de l'enfance dans l'oeuvre de son aîné. Richement illustré d'oeuvres inédites, le catalogue tisse un réseau subtil de lignes entre les artistes. S'y déploie le vocabulaire enfantin des grands dessins dans l'espace qu'Halilaj appelle « Abetare ». Son rapport intense au dessin d'enfant comme témoignage du monde contemporain révèle un intérêt proche chez Giacometti, déployant les thèmes riches de l'enfance, du rêve, des associations d'idées, du rapport à la merveille.
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Leonora Carrington est une artiste peintre et romancière mexicaine d'origine anglaise. Elle est née en 1917 et décède en 2011.
« C'est une lettre d'amour pour un cauchemard. » « Il est impossible de comprendre comment des millions et des millions de personnes obéissent à une collection de messieurs malades qui se disent «gouvernement» ! Le mot, je l'espère, effraie les gens. C'est une forme d'hyp- nose planétaire très peu saine. » -
1000 figures ? Le Musée International des Arts Modestes d'Hervé di Rosa
Hervé Di Rosa
- Éditions Fage
- Catalogue D'Exposition
- 7 Mars 2025
- 9782849758243
Présentation de cet ensemble de figurines où se mêlent art contemporain, art traditionnel, objets manufacturés, artisanat, oeuvres uniques et produits communs, proposant des dialogues visuels entre cultures savantes et populaires, entre générations ou entre différents territoires du monde.
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Gustave Caillebotte
Gustave Caillebotte
- Éditions Fage
- Paroles D'artiste
- 6 Octobre 2022
- 9782849757260
« [...] Pour moi je fais ce que je peux mais que de temps on passe pour n'arriver a` rien. »
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Guillaume Corneille
Guillaume Corneille
- Éditions Fage
- Paroles D'artiste
- 10 Janvier 2025
- 9782849757949
Guillaume Corneille (1922-2010), peintre, graveur, sculpteur et céramiste néerlandais, occupe une place prépondérante dans la scène artistique européenne de la seconde moitié du XXe siècle. En 1948, il cofonde le mouvement international CoBrA en réaction au conflit opposant abstraction et figuration.
L'oeuvre de Corneille se distingue par son caractère expérimental et spontané, reflétant les évolutions esthétiques de la peinture d'après-guerre. Ses créations, fondées sur l'expression de la couleur, s'inspirent de ses voyages et de dessins d'enfants. Empreintes de lyrisme, elles mettent fréquemment en scène la femme, le soleil, l'oiseau, le serpent et le chat. Il parvient à capturer l'énergie brute et la vitalité de la vie à travers des compositions vibrantes et des formes simplifiées. -
Paroles d'artiste fait dialoguer les propos ou écrits d'un artiste avec son oeuvre. Paroles d'artiste is a collection of dialogues between artists' words and works. "L'espace pictural est un mur mais tous les oiseaux du monde y volent librement. A toutes profondeurs." "The pictorial space is a wall, but every bird in the world flies freely there. At every depth."
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Fauviste à ses débuts après avoir flirté avec l'impressionnisme, Raoul Dufy (1877-1963), artiste d'avant-garde d'une activité débordante, grand voyageur, n'aura de cesse d'explorer les infinies possibilités de son art. Le Havre sa ville natale à laquelle est la synthèse de ce que seront ses oeuvres. Exceptionnel dessinateur et coloriste, il excella aussi bien dans la peinture, la gravure, la lithographie.
Après avoir testé de nombreux styles, Dufy parvint à développer sa touche propre et facilement reconnaissable faisant de lui un artiste phare du XXe siècle. En 1936-1937, il réalise pour le pavillon de l'Électricité de l'Exposition universelle de 1937, la plus grande peinture alors existante au monde : La Fée Électricité (624 m2), aujourd'hui au musée d'Art moderne de Paris. -
Henri Focillon (1881-1943). Entre 1910 et 1920, Henri Focillon s'attache à l'étude de l'art d'Extrême-Orient. Trois publications en attestent, dont Hokousaï, éditée en 1914. La pensée de Focillon qui se cristallisera plus tard dans la Vie des formes (1934) et L'Art d'Occident (1937) est déjà opérante dans cet ouvrage consacré à Hokusaï. Si la plupart des pages du livre sont consacrées à des anecdotes biographiques, pour Focillon l'objectif est de proposer pour l'art japonais une méthode analytique efficace, et cette tentative d'ordre théorique est alors inédite. Xatsushika Hokusaï (176o-1849). Aussi admiré en Occident que contesté au japon. Katsushika Hokusaï fut l'un. des plus grands artistes qu'Edo (Tokyo) ait engendrés. Il laissa une oeuvre monumentale, inégale et géniale d'une- diversité sans pareille. Peintre, théoricien; dessinateur et xylographe admirable, il fut le type même de l'artiste ne vivant que pour son art, solitaire et toujours insatisfait. A la fin du premier volume des Cent vues du Mont Fuji (1834-1835), il écrivit que son oeuvre exécutée avant l'âge de soixante-dix ans ne comptait pas, qu'à quatre-vingt-dix ans il pénétrerait le secret des choses, qu'à cent ans il serait un vrai peintre, et qu'à cent dix ans il atteindrait la perfection. Observateur inlassable des hommes et de la nature, il accomplit une simplification hardie des formes et fit des contrastes et harmonies de couleurs, dans ses séries de paysages notamment, un usage qui renouvela l'art de l'estampe.
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« Les mots sont des béquilles qui permettent de faire un petit bout de chemin en direction de l'oeuvre. Dans un premier temps, ils peuvent servir à ouvrir les yeux enlisés dans des habitudes, montrer que l'on voit davantage avec ce que l'on a dans la tête que devant les yeux. Mais la plus grande partie du chemin reste hors de leur portée, puisque l'art, justement, est au-delà. » Outrenoir, entretiens avec Françoise Jaunin, 2012 Pierre Soulages est né le 24 décembre 1919 à Rodez.
Très jeune il est attiré par l'art roman et la préhistoire.
Ce n'est qu'en 1946 qu'il peut consacrer tout son temps à la peinture. Ses toiles où le noir domine sont abstraites et sombres. Elles sont aussitôt remarquées tant elles diffèrent de la peinture demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. D'autres oeuvres sont apparues où rythme, espace et lumière naissent des contacts violents du noir et du blanc sur l'entière surface de la toile, une autre lumière picturale.
En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville.
Attaché à sa terre natale, Soulages consent, en 2005, avec son épouse Colette, à une donation exceptionnelle à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez. Le musée Soulages à Rodez est inauguré en mai 2014.
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« On ne peut plus peindre des intérieurs avec des hommes qui lisent et des femmes qui tricotent. On peindra des êtres vivants qui respirent et qui sentent, qui souffrent et qui aiment. » E. Munch
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Alberto Giacometti / Giorgio Morandi : moments immobiles
François Cohen, Alice Ensabella, Alessia Masi, Laure-Caroline Semmer, Erik Verhagen
- Éditions Fage
- Institut Giacometti
- 29 Novembre 2024
- 9782849757871
Alberto Giacometti (1901-1966) et Giorgio Morandi (1890-1964) sont des contemporains. Tous deux ont fait de leur atelier, la matrice d'une oeuvre dominée par la continuité d'une seule et même recherche dont le développement exprime le sens même de leur vie.
Partageant la persistance des modèles (les objets pour Morandi, les figures centrales d'Annette et Diego pour Giacometti), ils apparaissent comme des voix singulières qui, au-delà des avant-gardes, renouvellent des formes classiques : la nature morte et le paysage pour Morandi, la figure humaine pour Giacometti, et incarnent dans les années de l'après-guerre une vision de la condition humaine universelle.
Une rencontre évènement dans le cadre de l'Institut Giacometti. -
« L'homme qui ne sait pas tirer de son énergie de nouveaux désirs, et presque un nouvel individu, destinés à toujours démolir tout ce qui est resté de vieux et de pourri, pour s'affirmer, n'est pas un homme, c'est un bourgeois, un épicier, ce que tu voudras. » Amedeo Modigliani, Lettre à son compatriote et artiste Oscar Ghiglia, 1905 Amedeo Modigliani est né le 12 juillet 1884 à Livourne (Italie), et décédé à Paris le 24 janvier 1920. Au tournant du siècle, il s'initie à la peinture dans sa ville natale avant de s'installer à Paris en 1906. Figure emblématique de la bohème parisienne, des écrivains et des artistes, il deviendra en moins de deux décennies l'un des plus grands peintres du XXe siècle
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Paroles d'artistes impressionnistes
Collectif
- Éditions Fage
- Paroles D'artiste
- 22 Mars 2024
- 9782849757703
Sur le principe de Paroles d'artiste, nous entamons une nouvelle collection : Paroles d'artistes au pluriel, afin de rendre compte d'un mouvement dans sa diversité. Deux titres sont prévus en 2024 : Paroles d'artistes Impressionnistes à l'occasion des 150 ans de l'impressionnisme (1874-2024) et Paroles d'artistes Surréalistes à l'occasion du centième anniversaire du surréalisme.
Avec 54 reproductions d'oeuvres impressionnistes, cet ouvrage offre un parcours au sein du groupe d'artistes, autour de Claude Monet, ayant choisi d'exposer en marge du Salon officiel entre 1874 et 1886.
Critiqués de leur vivant, considérés comme des barbouilleurs, les impressionnistes bousculent la tradition et nous proposent la révolution du plein air, les sujets réalistes et célèbrent la modernité. -
Souriez, vous etes morts : photographies post mortem
Joëlle Bolloch
- Éditions Fage
- Dilaceratio Corporis
- 8 Novembre 2024
- 9782849757888
La photographie post mortem évoquée dans Souriez vous êtes mort concerne les morts de mort naturelle, à l'exclusion des morts violentes et sont choisis dans un corpus européen, français même pour les personnalités citées dans la partie consacrée aux morts illustres, avec quelques ouvertures sur les États-Unis.
Liée par essence à la perception et à la représentation de la mort dans une société donnée et aux rites funéraires de son époque, la photographie post mortem, pratique courante à la fin du 19e siècle, a progressivement régressé sans toutefois disparaître. Au cours des dernières décennies la mort est au centre de l'oeuvre de nombreux artistes. Plus que la représentation du défunt, ce qu'ils mettent en jeu c'est, semble-t-il, leur questionnement sur la mort elle-même. -
Alberto Giacometti : Ne pas parler des sculptures peintes
Collectif
- Éditions Fage
- 23 Août 2024
- 9782849757765
« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
